Vorlesung 11.04.2007
Lässt sich gut an, Wetzels klarer Vortragsstil gefällt mir obendrein. Mit diesem Feed lässt sich der Podcast abonnieren.
Als kleines Experiment werde ich versuchen, die auf diese Weise 'besuchte' Lehrveranstaltung für mein Studium anerkennen zu lassen (ich will es nicht beschreien, aber: ich bin zuversichtlich). Schön wäre es, wenn noch viele, viele weitere Lehrveranstaltungen auf diese Weise ihre ärgerlichen raum-zeitlichen Limits verlieren würden.
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Since this is an English Blog-A-Thon I'll try to write this review in English. However, since English isn't my native language and I am out of school for quite a while now, I want to apologize right in the beginning for all mistakes concerning grammar, spelling and what not that might be out there. Please feel free to correct me, if I am talking total rubbish here or there...
Since this Blog-A-Thon is not about trashy movies in the sense of „so bad they're good“ (which is, in my opinion, a quite dull way of looking at movies) but about movies that are generally considered „bad“, but nevertheless do have their qualities, I decided to write about one of my favorite „bad movie“ to ever come out of my homeland, (West-)Germany. Blutiger Freitag is an Italian-German co-production, but it was shot in Germany with mainly German cast and crew. When in the States, you might find a copy of this underrated gem of German exploitation by looking out for „Violent offender“ which is its international title.
Let me start with one single note: Blutiger Freitag is, first of all, a movie that-rocks - period! Oh boy, does it rock! Now, that I made this clear, I will leave aicn-mode and try to establish some context, 'cause Blutiger Freitag is a movie that gets only better if you know its historical context.
When Quentin Tarantino introduced his Kill Bill to the German audience, press quoted him leaving the press conference: „Alfred Vohrer rocks!“ - Alfred Vohrer is one of the most notorious directors of the infamous Edgar Wallace franchise by Rialto which might be considered the closest thing to b-movie or trash movie culture in West-Germany back in the heydays. When it comes to genre, West-Germany didn't all so well – there was a whole lot of Heimatfilme (which are, basically, movies about dumb assholes) or, even worse, Musikfilme (which you really – really – shouldn't look out for). Then, of course, were the Reportfilme - basically soft porn in some weird report disguise – which were, strange enough, super-hyper-blockbusters in the early 70s. People were standing for hours in front of cinemas to see some strange (and pretty frigide) soft porn and no us-american prestige movie was able to kick those porn flicks from the box office throne. And there was the Kraut Western which really can't be compared to their Spaghetti pendants – can't get much redeeming value out of some Winnetou flick. When it comes to horror or straight action thrillers (in the vein of the Italien poliziotti, f.e.), you really can't get much out of Germany, however. Sure, there were the Wallace krimis and Alfred Vohrer – you remember him from some lines above, do you? - put out one or two each year. However, when compared to classic exploitation craziness, the Wallace movies were quite tame, for sure with a spooky touch and some wit to it and with some nostalgic value when you grew up on them via German television (as I did), but the nice German term altbacken (meaning something like „like bread from yesterday“) fits them quite well. So, coming back to exploitation guru Tarantino, when he made his gesture of appreciation to the German exploitation flick, he also made a testimony that he obviously didn't see the apotheosis of German exploitation.
Which is, basically, Blutiger Freitag. Rolf Olsen is its director's name – and if Tarantino knew this hilarious flick, it would have been his name in the above mentioned quote. Not that Olsen is anyting close to an auteur. He was just an old guy doing what had to be done. So he did some Kraut Western, some Horror, even some strange Mondo movie. And Blutiger Freitag.
Blutiger Freitag is a wild ride. It begins with a a scene at Munich court house. Two cops are on their way to the judge to bring him some pretty wild looking dude - played by Raimund Harmstorf, who you might know when you know your Italien soldier flicks. However, we see there are some other dudes round there, behaving strange. When Harmstorf says he has to use the bathroom (his words are, for sure, no that discrete), it turns out he's trying to flee and the other guys were preparing the whole thing. After some chaos in the court house and some seriously damaged cop faces later, we get to know that Harmstorf is planning a great bank robbery with both guys who managed his escape. One of the guys, Luigi, an Italian gastarbeiter (a worker from a foreign country), brings his girl friend into the whole thing which leads to some serious trouble when her brother – who just left the army illegaly – happens to get to know what the four people are planning. However, you need to know that Harmstorf really is a bad-ass: He is an absolute asshole when it comes to terms, and he for sure doesn't try to hide this aspect of his persona. One might even wonder, why all the guys are trying to work with that guy, but as you know, you never know...
However, one day the robbery takes place. They take hostages. Media arrives at the crime scene. And Harmstorf drinks a lot of booze, terrorizing the hostages and his fellows just as he pleases. It turns out one of the hostages is the daughter of one the local Bonzen („rich upper class“), so Harmstorf tries to get one extra million out of it. However, the deserting brother somehow falls in love with the bourgeoise lady – ot at least feels way too much compassion for her – so he somehow subverts the whole plan. Of course, Harmstorf ain't amused. Tension's getting stronger among the robbers. And Harmstorf continues drinking booze.
Later in the evening, they manage to escape after one cop got killed. However, the situation escalates out in the woods where the robbers try to hide in a shag. Luigi got shot on the way and Harmstorf, now completely drunk, raped one of the hostages. It seems he's on his way to kill everyone, but the cops come in first. Now it's everybody on his own. The shooting starts and we learn that this movie isn't titled Blutiger Freitag (bloody Friday) for nothing ...
Not only being awesomely entertaining – one of the great things being Harmstorf the asshole you love to hate, always dropping a catchy line or two -, Blutiger Freitag also is a great example for dynamic and most efficient film making. No scene which isn't dynamized by camera position or movement. Olsen even experiments with handheld camera which adds a terrific drive to all the action scenes (there are a lot). And then there is a certain sense of „there's nothing we won't do“: When Harmstorf threatens one of the female hostages to rape her, the camera goes all the way to his crotch to show his male dominance in close-up: We learn to know that Harmstorf must have elephant testicles and a monster cock – or he always has some extra socks with him. Then there's the actual rape scene – which is experimental film making in the most classic sense of the word: Leave diegetic film world and experiment with different layers and motivs (we see dead meat, the whole screen turns ghoulishly red) and points of view. Quite surrealistic moment, if you ask me.
So, Blutiger Freitag goes all the ways only exploitation movies were able to go. But has it also the classic weakness of most exploitation movies – the dragging story? No. Blutiger Freitag is a great example of telling your story fast, to the point and without any holes of length in it (holes of logic? Well....). People are established fast and have their functions within the narrative, goals are being notified and people try to reach them. Conflicts show up and lead to turmoil the quick way. When Jess Franco is the master of lengthening any movie so hard it actually hurts, Rolf Olsen must be considered his opponent: He doesn't lose any time and there are no unnecessary inserts in his movie to gain length. Blutiger Freitag is bad ass film making at its best.
But what really puts this movie on top of Euro exploitation is its overall sense of zeitgeist and socio-political and socio-cultural issues. When Blutiger Freitag was shot (in 1972), Germany had to deal with a lot of similar cases: It was the time when the student protest led to terrorist militance and the early RAF guys (RAF = Red Army Fraction, a communist revolutionary organisation) were financing their fight with bank robberies all over the country which, back then, were quite easy, since surveillance technology wasn't established well and especially rural police wasn't prepared for such ferocious attacks. So, Blutiger Freitag deals with quite a hot topic: People were afraid and there was a lot of talk going on. Also, among young people notions of revolution and breaking-out were quite common: Luigi and his girl friend, for example, don't talk like your average marxist student – however they have it up to here working shit jobs (both are shown in their job environments for quite a time) for shit money for rich bosses getting richer every day. And Harmstorf himself is always good for some punch lines against „capitalist pigs“. However, he doesn't struggle in the name of some class against the other. He's only in it for the money and the less he needs to share the better.
Also note a great sequence, when people outside the bank are asked by some journalist dude who seems to work for radio or television. He asks people what they think of crimes like this. In this scene you get a great idea of what was going on in Germany in those days: You have your average narrow-minded alt-nazis who can't think of anything but „Die gehörn ins Gas“ („Put them in the gas chamber!“) and you have some beard wearing hippie kinda guys claiming, „they“ only take back what some capitalist took of them. This sequence is quite long and there are a lot of statements like these. The camera simulates some tv kinda looking aesthetic and the people have some authentic feelto them. You get a great idea of how tight this cheap movie was to every day discourse among the German population back then.
Blutiger Freitag really is a movie of its own. You won't find quite similar movies coming out of Germany in those days. It's a great example for potential of exploitation movies and overall one of the best genre movies coming out of Germany in the early 70s. When German cinema split up into soft porn on the one hand and quite sollipsistic auteur cinema on the other - Blutiger Freitag went some third way and managed to do a movie which is absolutely tight to current affairs – and is entertaining just as well. It's one bastard of a movie – and when you have the chance to watch it: Take it!
Pics were mainly taken from this great review of Blutiger Freitag. Thanks!imdb
Mal schauen, welche meiner jüngsten Anschaffungen aus diesem Gebiet ich mir heute nacht zu Gemüte führen werde. Zur Auswahl stehen (und per Kommentar darf gerne abgestimmt werden):
Mo - The Boxer's Omen (Horror-Boxer-Trash aus HK, frühe 80er) Himmel og Helvete (Anti-Drogenfilm aus Norwegen) Schamlos (Rotlicht-Gangster-Flick aus Österreich) carte blanche: ein Coffin-Joe-Film oderder gute, alte Blutiger Freitag
Now you tell me.
Umso freudiger darf man als connaisseur des Horrorkinos seiner Halloween-Version - offenbar keine Fortsetzung, sondern ein Remake des ersten Teils - entgegen sehen. Zumal, da der erste Teaser-Trailer hier allen Erwartungen vollkommen zu entsprechen weiß. Deutscher Kinostart: Oktober dieses Jahres (aber ich mutmaße mal - allerdings ohne konkreten Anlass -, dass die Leute vom Fantasy Filmfest doch gewiss an dieser Sache dran hängen...).
Der Trailer verspricht einiges, finde ich, und das Blog der Filmemacher ist hübsch skurril.
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Das Kino Central in Berlins Mitte zeigt ab heute Werner Herzogs frischen, in Deutschland im Kino meines Wissens bislang nicht zu sehen gewesenen Dokumentarfilm Grizzly Man, den ich allen sehr empfehlen möchte. In den USA, wo Herzog derzeit ohnehin sensationell hoch im Kurs steht, erntete der Film raving reviews all over the place - sehr zu recht, wie ich, als allerdings überzeugter Bewunderer von Herzogs Filmen, finde. Mehr Informationen hier auf der Website des, nebenbei bemerkt, sehr schönen Kinos.
Sein neuester Film, Rescue Dawn, eine fiktionalisierte Aufarbeitung des Stoffes seiner Dokumentation Little Dieter needs to fly mit Christian Bale in der Hauptrolle, hängt hingegen derzeit aus unglücklichen Gründen in der Schwebe. Hollywood Elsewhere hat aufschlussreiche Hintergrundinformationen.
Sehr aufhorchen ließ mich auch die jüngste Neuigkeit, dass Herzog wohl den Stoff von Der Käse und die Würmer verfilmen möchte. Hierbei handelt es sich um einen höchst spannenden, und eigentlich sogar Herzog-typischen Stoff: Das gleichnamige Buch des Kulturhistorikers Carlo Ginzberg befasst sich mit der Geschichte eines Müllers um 1600, der vor der Inquisition sein Weltbild verteidigt: Die Elemente vermengten und verdickten sich auf die selbe Weise wie Milch zum Käse wird, und darin sammelten sich Würmer und die waren dann die Engel. Ein aufschlussreiches Buch über die Geistes- und Gedankenwelt derjenigen, die auch im noch frischen Buchzeitalter an sich keine Repräsentation erfuhren. Die motivische Nähe vor allem zu den Herzogfilmen mit Bruno S. - Stroszek und Kaspar Hauser - Jeder für sich und Gott gegen alle - ist meines Erachtens unverkennbar, entsprechend gespannt bin ich auf die Umsetzung. Und nicht zuletzt bestätigt sich einmal mehr meine Ansicht, dass Herzog eigentlich Kulturwissenschaftler, wenngleich mit proto-surrealistischer Methodik, ist.
Auf der offiziellen Website kann man sich das Skript als pdf herunterladen.
Filmretter
Marie Antoinette ist ein Film, der zu "Falsch!"-Rufen nicht aufruft, sie einem aber doch abnötigt. Warum dies, hat sehr schön Ekkehard hier geschrieben.
Meine Reflexe beim Schauen hingegen waren weniger artikuliert, weniger analytisch. Was sollte mich, ehrlich, eine solche dumme Nuss angehen, Aristokratin, Monarchistin obendrein? Der Jammer der bürgerlichen Gesellschaft ist ja doch, dass sie immer wieder aufs Neue mit Wehmut auf das eigenhändig Abgeschaffte zurückblickt und Liebreiz und Schönheit dort entdeckt, wo vielmehr vom Hunger der Bevölkerung, von der brutalen Menschenverachtung jeder Monarchie zu sprechen wäre. Doch jedes Städtchen, das etwas auf sich hält, hält etwas auf seine Kaiser-Wilhelm-Straße, auf die ganzen verklärten Artefakte von Herrschenden, die der Freiheit ihrer heutigen versonnenen Verehrer mit Flamme und Schwert entgegen treten würden, wenn sie könnten.
Oder kurz: Beim Sturm auf Versailles summte ich die französische Nationalhymne. Bringt mir den Kopf von Marie Antoinette! Um dieses Bild hingegen wird man im Zuckerland betrogen. Wie um jedes Bild all dessen, was hinter jedem Schnörkel der Ausstattung steckt, wem der seinerzeitige Pomp mit welchen Mitteln abgepresst wurde. Gegen eine Musealisierung von Versailles und seiner Pracht ist nichts zu sagen: Schon alleine, weil darin Menschenhandwerk steckt; Marie Antoinette hingegen interessiert sich nicht hierfür, sondern - und dies denn auch mit der Haltung des Bekuckens nur - für die historischen Bewohner, denen Versailles Goldener Käfig ist.
Das Bedauerliche aber ist schlussendlich, dass hinter solcher, leicht ins Dümmliche spielender Perspektivblindheit der bislang reifste Film seiner Regisseurin steckt. Marie Antoinette ist unbestritten konzentriert gefilmt, mit richtigem Takt und Gespür für die Länge einer Einstellung und Montage. Dass der poppige New-Wave- und Post-Punk-Soundtrack zuweilen proto-diegetischen Charakter entwickelt - auf der ausgelassenen Maskenparty - ist ein kleiner Kunststreich, der mit dem kaum Bemerkbaren spielt. Jede Sekunde des Films ist so, nicht anders intendiert. Nur ist das Projekt, dem mit solch sorgfältiger Reflexion der Formmittel begegnet wird, ein von innen heraus madiges. Man sieht's nur nicht. Vielleicht geht's ja auch einfach darum: Ich seh' was nicht, was Du nicht siehst. Marie Antoinette sieht die Weite des Landes und sieht das Land nicht, wir sehen die Revolution und sehen die Revolutionäre nicht, Marie Antoinette sieht die Natur und sieht die Natur nicht und alle sehen Kirsten Dunst nackt, nur wir nicht - ein Beschiss von einem Film.
imdb
Dazu passt die tolle Neuigkeit, dass Kinowelt Ende April endlich Vampire gegen Herakles und damit Bavas ersten Farbfilm auf den Markt bringt, der selbst noch für Bava-Verhältnisse in seinen Farben nur so schwelgt und überhaupt ein wundervolles (und wundervoll schräges) Beispiel für Mario Bavas Filmschaffen ist. Ein Film, so liebevoll wie Pappmaché-Puppen (und eine spielt schließlich sogar einen finsteren Steinunhold, den man gesehen haben muss, hach).
Höchst erfreulich ist vor diesem Hintergrund die Pressemitteilung eines neuen DVD-Labels namens Nippon Cinephil, das sich unlängst in Berlin gegründet hat: In Zusammenarbeit mit internationalen Filmarchiven sollen zunächst zumindest die wichtigsten Klassiker der beiden genannten Regisseure in besten Workprints ausfindig und schließlich sorgfältig auf DVD übertragen werden. Als besonderes Schmankerl wird auch eine Veröffentlichung des bislang verschollen geglaubten frühen Ozu-Films Blossoms of April in Aussicht gestellt.
Für die Untertitelung werden Kooperationen mit namhaften Japanologen angekündigt, um die kulturellen Besonderheiten möglichst adäquat zu transferieren. Auch für die Bonusmaterialien lässt man sich offenbar nicht lumpen: In Zusammenarbeit mit der Deutschen Kinemathek und dem Filmmuseum Berlin sollen u.a. auch kleine Buchbeilagen mit historischen Texten zu den jeweiligen Filmen in Planung sein. Zahlreiche, bislang nur auf Englisch vorliegende Schlüsseltexte der internationalen Ozu- und Mizoguchi-Rezeption sollen in diesem Zusammenhang erstmals auch ins Deutsche übersetzt werden, u.a. sind auch Übersetzungen von Auszügen aus David Bordwells Ozu-Studie angekündigt. Eine auch äußerlich ansprechende Gestaltung soll die Edition "Nippon Cinephil" schließlich abrunden.
Ich bin schon gespannt auf die Umsetzung und freue mich darauf, die ersten DVDs in Händen halten zu können.
Ladies and gentlemen, the Bava Book is FINISHED.Mit dem letztendlichen Erscheinen des Werkes - 1128 Seiten, komplett in Farbe, mit einer Einführung durch Martin Scorsese und auf der Waage rund 6 Kilo schwer - ist im Juni zu rechnen. Von ihm gekündet hatte ich schon vor rund drei Jahren. Jetzt heißt es Geldsparen für das im Regal gewiss sehr schmucksame Werk...
This little box I'm holding contains 32 years of my life and 65 years of Mario Bava's. Coming your way from Video WatcHDog this summer.
Unter bavabook kann man sich über den, weiß Gott mühseligen, Schaffens- und Produktionsprozess informieren. Und wer mag, kann auch mal bei Tims WatchBlog vorbeischauen.
Keine große, aber doch eine leise Enttäuschung, auch wenn ich schon von vornherein darauf gefasst war, mir kein Meisterwerk zu Gemüte zu führen. The Black Dahlia, basierend auf dem gleichnamigen Roman von James Ellroy, der sich einmal mehr in die Untiefen der Schattenwelt des Los Angeles der 40er Jahre wagt, bietet vieles, was man von De Palma kennt: Eine betont artifiziell gestaltete Erzählwelt, zuweilen hölzern agierende Darsteller (ich will jetzt nicht mit Brecht winken, aber ich denke schon, dass dies bei De Palma Methode hat), manieristische und doch nicht heischende "Kamerainserts", Zeitlupen.
Und doch: Es wirkt leicht wiederholt, angebracht, zueinander nicht recht stimmig. Nun zerfallen die Strukturen der De-Palma-Filme oft genug - und in der Regel mit Gewinn, da die Form des narrativen Spielfilms an ihren üblichen, nicht selten ideologischen Nahtstellen aufbricht und sie so als diese ins Bewusstsein rückt. In The Untouchables - De Palmas zweiter, großer Nostalgie-Film - wird diese Aufgabe an Morricone deligiert, der über das Mafiafilm-Pastiche einen betont casio-blechernen Soundtrack legt, der viel mit den 80er Jahren und nichts mit den 30ern gemein hat.
The Black Dahlia hingegen ist glossy in einer Weise, die zuvorderst Könnerschaft transportiert: Ausleuchtung, Ausstattung, die Detailauflösung des Filmmaterials - alles von bestrickender Eleganz. Er ist an Nahtlosigkeit und Bildoberflächen-Fetisch interessiert, die De-Palma-Zutaten wirken da schon fast wie Signaturen, die zu groß ins Bild reinragen - und ihm doch fremd bleiben. Freilich ist es eine Freude, den zwei, drei außergewöhnlichen Kamerafahrten zuzusehen: Von der Straße auf das Dach, der Blick dahinter, wieder hinunter, auf die andere Straßenseite. Der Schwung aus dem establishing shot vor Scarlett Johanssons Gesicht. Hier ist De Palma bei sich; ansonsten, scheint es, arbeiten er und The Black Dahlia gegeneinander. Man kann dem zuschauen und ist nicht gänzlich schlecht unterhalten, doch, allein, mehr De Palma hätte man sich schon gewünscht.
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"Sie sollten der Beschreibung der Filmzentrale hinzufügen, dass sie hoffnungslos dem Realismus verfallen ist und auch phantastische Filme wie "Star Wars" hier ausschließlich mit den Mitteln des Realismus zu erklären versucht werden. Zudem sollten Sie anmerken, dass sämtliche hier versammelte Kritiken - jene der von mir eigentlich sehr geschätzten E. Knörer und G. Seeßlen eingeschlossen - Filme in erster Linie nach ökonomischen Gesichtspunkten analysieren, von Genre als eigener Kulturform für gewöhnlich keine Ahnung haben und sich vor allem vor zwei Aspekten von Filmen ungemein fürchten: explixiten Darstellungen -von "echtem" Sex ebenso wie fiktionaler Gewalt -, sowie vor dem was vordergründig gern als "Unterhaltung" bezeichnet wird."So steht das als Zitat aus einer eMail im Selbstverständnis der Filmzentrale.com, das ich überhaupt erst gestern entdeckt habe (äh).
Und ich neige dann eher doch zum Widerspruch. Selbstverständlich schon deshalb, weil ich durchaus der Meinung bin, dass "E. Knörer und G. Seeßlen" von Genre hinreichend Ahnung haben und Filme nicht nach "ökonomischen Gesichtspunkten" beurteilen (Wirtschaftsprognosen - "Dieser Film wird ein Erfolg an der Kasse werden!" - habe ich auf der fz.com ohnehin noch keine gefunden, ich würde sie auch umgehend verdammen, wenn ich solchen Schamott dort zu lesen bekäme). Aber auch, weil ich mich, als gelegentlich dort ebenfalls berücksichtiger Autor, sowas von rein gar nicht in den Zeilen wiederfinden kann. Gewalt & Sex, jo mei, damit hab' ich jetzt zumindest mal so ganz grundsätzlich erstmal kein Problem im Film. Kann schon Freude machen. Gerne und besonders auch als sleaze, der vielleicht einzigen Form, welche die zynische Hölle, die die Welt nun einmal ist, so richtig zu fassen kriegt - vielleicht gerade weil sie bildungsbeflissenen Humanisten mit Hang zur moralischen Objektivierung ihrer eigenne Ekel- und Anstoßgrenzen den Boden unter den Füßen wegzieht. Aber ich schweife ab. Aber es gibt jedenfalls natürlich auch schlechte Filme mit Sex und Gewalt, is klar.
Und dass der Seeßlen keine Pornos kuckt, glaub ich eh nicht. Wie konnte er sonst diverse Bücher drüber schreiben? In einem aus den 80ern leitet er an einer Stelle seinen Diskurs über den pornografischen mit den Worten ein, dass erneut einer seiner Lieblingspornos indiziert wurde, so dass die Rede über ihn nicht mehr frei gestattet ist. Wer Lieblingspornos hat, hat keine Angst vor echtem Sex on screen, glaube ich. Wie ja überhaupt nur die Leute Angst vor echtem Sex auf der Leinwand haben, die auch vor echtem Sex Angst haben. Oder was er impliziert: Sexuell aktive Frauen beispielsweise, meinethalben auch säuische Frauen (is ja nun doch so, dass der Porno so mit das einzige Genre ist, dass durchaus einen Zusammenhang zwischen Frauen, Körperflüssigkeiten und Genitalität zieht - alldieweil 'normale' Genres Frauen nur als sozial gemaßregelte Körper jenseits einer Ahnung von Körperlichkeit kennen. Oder so.). Oder die wundervollen Abgründe der Perversion, des So-nicht-Vorgesehenen. Glaube ich.
Und der Realismus, die alte Schachtel. Find' ich gut. In Dosen. Ist halt immer die Frage, was Realismus denn überhaupt sein könnte. Abgefilmtes So-Gewesenes hat schnell den haut goût von Buchhalterei visueller Natur. Kann man gut in A Scanner Darkly von Philip K. Dick nachlesen. Filme wie Terror 2000 und Das deutsche Kettensägenmassaker hingegen sind, so jetzt halt mal meine Meinung, durchaus realistisch - indem sie von visueller Zeugenschaft Abstand nehmen und das Reale schlechthin zu fassen kriegen: Kultur, Neurosen, Psychosen. Ins Groteske des Bildes eben übersetzt. Was ist jetzt also realistisch? Beinharte Materialität und Vermessung oder poetisierende Semantik, die Beziehungsgeflechte offenlegt? Und ist nicht eigentlich der Gonzo Porno der Nachfolger des cinéma verité? Vermutlich nicht. Aber er schaut so aus.
Naja, weiß nicht. Endkrasser Realismus, kein Sex nirgends und dann noch nicht mal Popcorn und Gewalt - in so einer fz.com tät' ich mich eher nich so wohlfühlen. Aber zum Glück sieht die Welt in echt immer noch ein bisschen anders aus.
Twitch weist auf mehrere Kurzclips aus Tarantinos/Rodriguez' Double-Feature Grindhouse hin. And plenty more where those came from!
Was soll ich sagen? Rodriguez kann mir im Allgemeinen ja gestohlen bleiben. Aber, verflucht... das wird ein übler Fucker von einem Film! Can't wait! (zumal auch nach diesem Gespräch zuletzt)
Was mir am besten gefällt? Natürlich der plötzlich einsetzende Rotstich.
Ein ausführliches Interview mit dem Regisseur auf der Mutterseite Hoberman mit ausführlicher Besprechung New York Magazine Manohla Dargis für die New York Times Salon.com mit Filmkritik The Nation indieWire
Bleibt mir nur erneut die Empfehlung, Gelegenheiten zur Sichtung unbedingt wahrzunehmen.
Mal wieder absolut unglaublich, was drüben bei den Amis abgeht, nicht? Stimmt. Es entspricht ja auch nicht den Tatsachen, sondern ist ein sich mittlerweile munter verbreitendes Gerücht in der Blogosphäre, das langsam, aber sicher, auch in die deutsche hinüberschwappt (wo man, ja schon aus historischen Gründen, gerne dazu neigt, "dem Amerikaner" jeglichen Verstand in Abrede zu stellen und deshalb auch alles gleich mal übernimmt und dupliziert, was in diese Denke passt).
Aber: Es ist eben auch nix dran an der Geschichte. Ihren Ursprung hat sie in dieser 'Meldung', die zwar äußerlich nach "News" riecht - bei genauerem Hinsehen aber in der Sektion "Fiction" des Portals gepostet wurde. Der Status des Textes ist also der einer literarischen Kurzgeschichte, die für sich die rhetorisch-literarische Strategie einer Textsortenmimese anwendet. Eine beliebte Haltung vor allem auch in der Science-Fiction- und anderer phantastischer Literatur (man erinnere sich an Welles' Bearbeitung von Krieg der Welten, oder an Stokers Dracula, nicht zuletzt ist auch Stephen Kings Carrie über weite Strecken in dieser Form abgefasst).
Dies nur mal so am Rande, bevor es allüberall wieder heißt, von wegen "unglaublich, die Amis" und so. ;-)
02. Scroll wild und großzügig über die Liste mit bislang insgesamt 1077 Blogs. Schau dabei nicht auf die Liste.
03. Bleib willkürlich stehen und klick den nächsten Link über Deinem Mauszeiger an.
04. Hör Dir an, was das Blog zu bieten hat.
05. Berichte!
GreenCine hat sich mit dem 'Godfather of Gore' unterhalten.
Sein Blood Feast ist in Deutschland noch immer staatsanwaltschaftlich verboten. Damit kein erwachsener Bürger des Landes sieht, wie das aussieht, wenn auf Schaufensterpuppen-Arme Himbeersirup geschmiert wird und wenn Kalbszungen in die Kamera gehalten werden. Denn Deutschland meint es gut mit Dir.
Noch viel mehr allerdings darüber frohlocken, dass man sich ein so dickes, so tolles Buch ins Regal stellen kann.
Ach, überhaupt: Das Bücherkaufen. Keine Woche ohne die Sorge, wo das nur alles wieder untergebracht werden soll.
Sein neuester Film ist nun - man höre und staune - ein Remake von Sergio Corbuccis Schlammwestern Django, übersetzt allerdings in eine japanische Umgebung, die, so stellt der erste Teaser-Trailer (man klicke auf den Button rechts) in Aussicht, vom Original indes nicht allzu weit entfernt ist. Ich bin gespannt.
Nachtrag: Der Trailer ist jetzt auch auf YouTube.
Einer der besten Filme meiner diesjährigen Berlinale war Killer of Sheep, der als restaurierte Wiederaufführung im Forum lief. Die am Ende dieses Interviews angekündigte DVD liegt nun vor und ist der New York Times ein Feature wert, in dem der mühselige Prozess dieser Veröffentlichung - alleine die Heranschaffung der Musikrechte dauerte rund sechs Jahre - näher beleuchtet und gewürdigt wird.
Egg City Radio ist ein neuer Podcast [feed], der aus dem Projekt Post Punk Junk hervorgegangen ist. Sehr toll ist die zweite Sendung, die sich ganz der Filmmusik von John Carpenter widmet, deren stringenten und atmosphärischen Minimalismus ich schon immer sehr bewundert habe. Dazu passt, dass ich Carpenter als Regisseur in den letzten Tagen des vergangenen Jahres in einer kleinen 'Privat-Retro' wieder für mich entdeckt habe. Schon leicht jenseits der Schwelle zu seiner Post-Klassik ergab sich dazumal, in den 80er Jahren, nochmals eine Art dialektisches Straucheln des klassischen Kinos mit sich selbst. Ein eigenartiges, nicht zuletzt auch höchst unterhaltsames Vexierbild, das mir Carpenter retrospektiv als einen meiner liebsten Regisseure Hollywoods erschloss.
Aber egal, wie gesagt, zweite Folge, John Carpenter als Komponist.
Zahlreiche Radiowerbespots für allerlei exploitative Filmkunst aus den 60er und 70er Jahren hier. Dokumente einer Zeit, als das Kino noch einmal vom Hauch des Nickelodeon durchweht wurde. Als Filme noch damit beworben wurden, dass am Eingang Kotztüten verteilt würden, ohne die der Zutritt zum Saal nicht möglich sei. Und welcher nun der "positively most horrifying film" aller Zeiten gewesen ist, erfährt man
hier!
Überhaupt laufen morgen über den ganzen Tag verteilt haufenweise amerikanische Western in den ARD-Sendern; HR, WDR, BR - einfach selber nachschauen. Einen späten italienischen - mit Franco Nero und von Enzo G. Castellari - zeigt dann Tele5 am kommenden Dienstag: Die Rache des weißen Indianers. Ob ein Italowestern von '93 was taugt, ist freilich die ihrer Beantwortung harrenden Frage. Experte Keßler weist ihn in seiner Tv-Woche als "Öko-Variante von Keoma " aus - und Keoma ist ja schon mal nicht der allerschlechteste Referenzpunkt - und hat überdies in ihm viele "liebe Gesichter aus alten Tagen" wiedergesehen. Wie das nun zu werten ist?
