Hier (mp3), bzw. dort anklickbar.

Es handelt sich um Umwandlungen von Radarechos in Audiosignale. Schön lässt sich daran festmachen, wie Wissenschaft selbst kreativ ist und Bild-, ja Ästhetiksysteme entwirft, um Bereiche unserer Umwelt sicht-/lesbar zu machen, die sich ansonsten unser Wahrnehmung entzögen. Gleichzeitig codiert sich das mögliche Wissen aber auch in einer Weise, die wiederum das Wissen der zugrunde liegenden, bildschaffenden Prozesse nötig machen, um es dem "Werk" zu entnehmen (siehe auch Spektralaufnahmen, etc.). Für den Laien - also in diesem Falle: für mich - klingt das Ergebnis somit lediglich wie avantgardistische Computermusik vergangener Jahrzehnte. Oder wie primitive Effekte eines Konsolenspiels aus Zeiten, als Playstation oder gar das SNES als Begriffe noch nicht bestanden.

Hier treffen sich Kunst und Wissenschaft: So wie Dürer seine Träume zu Papier brachte, um eine subjektive und an sich außersinnliche Erfahrung ästhetisch mittelbar zu machen (siehe hier) und dieser noch den erläuternden Text zur Seite stellt, erschafft die Wissenschaft Bild- und Klangwelten. Beide Disziplinen eint das Projekt, Unsichtbares sichtbar zu machen. Und weiterhin die Erkenntnis: Nicht das Werk bringt Bedeutungen mit sich, die ihm simpel entnehmbar sind; der Rezipient und dessen Horizont erst füllt es mit Sinn.

Und weil ich es schon schrieb: Die auditiven Nachrichten von Huygens sind auch gewissermaßen eine Nachricht über die Jahrzehnte hinweg. Ähnlich wie die oft sehr eigene Version einer Sprache, die Nachkommen von Exilanten pflegen (eine dänische Freundin etwa erzählte mir von Kindern nach New York ausgewanderter Dänen, deren Dänisch in Klang und Ausdruck einer Art fossilierte Erstarrung des Dänischen der 50er Jahre gleichkommt), erklingt hier - durch Raum und Zeit deutlich von uns getrennt - das authentische Piepen frühester 8Bit-Rechner und Konsolen wieder. Klänge, die heute oft nurmehr (mit Abrieb) emulierbar sind, da die zugrunde liegende Technik oft schon verfallen oder nicht mehr rekonstruierbar ist.

Weitere Links und Meldungen hier.

Für die Sektion Panorama werden folgende Filme angekündigt, bzw. werden zu bereits feststehenden Filmen weitere Informationen nachgereicht:

ADAM & PAUL
Von Lenny Abrahamson (Irland), 35mm / 85 Min. / Engl/EnglUT - Debut Mit Mark O'Halloran, Tom Murphy, Louise Lewis. Friends since they were small boys, Adam and Paul have withered into two hapless, desperate junkies, tied together by habit and necessity. A stylized, downbeat comedy, the film follows the pair through a single day which, like every other, is entirely devoted to the business of scrounging and robbing money for drugs. The difference today is that Adam and Paul - already near rock bottom have finally run out of luck, credit and friends. Stylistically, ADAM & PAUL is a cold, contemporary take on classic, physical comedy. Thematically, it is a minimal fairytale about two baffled, vulnerable children in the grip of forces too powerful for them to handle.

AMOR IDIOTA (Idiot Love)
Von Ventura Pons (Spanien/ Andorra), 35mm / 093 Minuten / Katalanisch/Spanisch/EnglUT Mit Santi Millán, Cayetana Guillén Cuervo, Mercè Pons. Pere-Lluc, heading home drunk, hits his head on the aluminum ladder a girl is using to hang banners from the streetlights. He falls to the ground and, slightly dazed, is mesmerized by the girl. As the days go by, he becomes more and more obsessed with her. She tortures him! We witness the story of his tormenting passion in his efforts to win her love.

TAO SE (Colour Blossoms)
Von Yonfan (Hongkong, China), 35mm / 106 Minuten / Kant/Jap/EnglUT Mit Matsuzaka Keiko, Harisu, Teresa Cheung, Sho, Carl Ng. Beautiful estate agent Meili has two strange encounters in the same day, the voluptuous Madam Umeki, a mysterious Japanese high society lady who appoints her to lease out a luxurious but abandoned apartment on her behalf, and handsome patrol policeman #4708, the dream-man-in-uniform who seems to have stepped right from her secret desire. Meili further meets another young stud, the lean and reticent Kim, who seems to have come from nowhere. Torn between Kim and #4708, Meili is shocked to discover that the former was, in fact, also the ex-lover of the young Madam Umeki years ago. The complicated relationship between the five of them finally evolves into an intriguing and bizarre affair. Yonfan zeigte 1999 "Bishonen" im Panorama.

DUMPLINGS
Von Fruit Chan (Hongkong, China), 35mm / 091 Minuten / Mand/Kant/EnglUT Mit Miriam Yeung, Bai Ling, Pauline Lau, Tony Ka-Fai Leung. No woman can resist the temptation of potential rejuvenation - for some it's a dreamy blissful chase; for others a never ending nightmare of endless pursuit. But Qing can afford it all. An ex-starlet turned wife of a prominent rich man, Qing is destined to have this dream come true. Qing uses a lot of connections to get to the mysterious chef, Mei to obtain her famous specialty dumplings. Qing is no gourmet but simply dying to recover her youth and beauty. At stake is her new "career" as a housewife of the rich. Mei's dumplings claim to deliver the goods.

BASED ON A TRUE STORY (Dokumentation)
Von Walter Stokman (Niederlande), Digibeta / 075 Minuten / Engl/OhneUT. One hot August afternoon in 1972 John Wojtovicz attempted to rob a Brooklyn branch of the Chase Manhattan Bank. An unexpected rapid police response prompted Wojtowicz to take eight hostages. Once Wojtowicz revealed that he committed the robbery to finance the sex change operation of his lover, there was no turning back. A 10 Minute robbery degenerated into a 14 hour standoff. Cops, crowds and cameras- the robbery was a spectacle that eventually served as the basis for Sydney Lumet's 1975 film Dog Day Afternoon. In BASED ON A TRUE STORY we relive this day in August 1972.

THE LOVE CRIMES OF GILLIAN GUESS
Von Bruce McDonald (Kanada), Beta / 092 Minuten / Engl/OhneUT Mit Joely Collins, Ben Bass, Hugh Dillon, Scott Hylands, Pat Adrien Dorval. Having earned her first 15 minutes of fame as the jury member who slept with an accused murderer, the foxy and fearless Gillian Guess appears on the Bobby Tomahawk Show looking for her next 15 minutes. With razzle dazzle, late night sass, rock 'n roll, and sinister charm, Bobby Tomahawk steers us through the sex and the sad and the bad and the bold, in, around, down, inside-out Miss Gillian Guess. He is her judge, her jury and if need be, executioner. This movie is one surreal musical mystery tour, painting the portrait of a woman who just wants a little bit more. And she'll pay any price just to get it.

ULTRANOVA
Von Bouli Lanners (Belgien, Frankreich), 35mm / 86 Minuten / Franz/EnglUT Mit Vincent Lecuyer, Hélène De Reymaeker, Marie Du Bled. With his two colleagues, Dimitri, 25, sells turnkey homes. Introspective and adrift in a twisted world, he is bored out of his mind. The rumours that he allows to run rife concerning his strange past intrigue Jeanne and lead Cathy to get to know him.

"Ultranova" highlights a small constellation of off-key and comical characters on the verge of extinction. Only an electroshock can rekindle the tiny flame that flickers within them.

BULUTLARI BEKLERKEN (Waiting for the Clouds)
Von Yesim Ustaoglu (Frankreich/Deutschland/Türkei/Griechenland), 35mm / 087 Minuten / Türk/Griech/dtUT Mit Rüçhan Çaliskur, Ridvan Yagci, Ismail Baysan, Dimitris Kaberidis, Feride Karaman, Suna Selen, Oktar Durukan, Jannis Georgiadis, Irene Tachmatzidou, Damoklia Mustakidou, Fatma Parlagi. Ayshe feels lost and alone when her older sister dies. The elderly woman begins to act distant and aloof with everyone in the village. The neighbors' boy Mehmet is worried about Ayshe. He likes hearing her stories. He also likes running around with his young vagabond friend Chengiz. The boys are always on the lookout for the return of Chengiz's father, even if everyone says he was executed for being a Soviet spy. Suspicions arise with the arrival of stranger Tanasis. Convinced he's a spy Mehmet and Chengiz follow his every move. The boys discover that Tanasis is somehow connected to Ayshe. Tanasis and Ayshe share the same ethnic background. Actually adopted, Ayshe was born Eleni, the child of an Orthodox Pontus Greek family. For over 50 years, Ayshe has lived in fear, protecting her true identity.

Yesim Ustaoglu zeigte 1999 "Reise zur Sonne" im Wettbewerb.

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Die Retrospektive gibt folgende Filme bekannt:

Cabaret
Bob Fosse, USA 1971/72, Production Design: Rolf Zehetbauer, 119 Minuten, Englische OF

mit Liza Minnelli, Michael York

Wesna (Frühling)
Grigori Alexandrow, UdSSR 1947, Production Design: Konstantin Jefimow, Wladimir Kaplunowski, 105 Minuten, Russische OF/englische UT

mit Ljubow Orlowa, Nikolai Tscherkassow

E la nave va (Fellinis Schiff der Träume)
Federico Fellini, I/F 1982/83, Production Design: Dante Ferretti, 126 Minuten. Italienische OF/deutsche und französische UT

mit Freddie Jones, Barbara Jefford

Aiqing wansui (Vive l'amour)
Tsai Ming-liang, Taiwan 1994, Production Design: Lee Pao-ling, 118 Minuten, Mandarin OF/englische UT

mit Yang Kuei-mei, Lee Kang-sheng
Dr. Strangelove or: How I Learned to Stop Worrying and Love the Bomb
Stanley Kubrick, GB/USA 1963/64, Production Design: Ken Adam, 93 Minuten, Englische OF, neue Kopie

mit Peter Sellers, George C. Scott

Manhattan Murder Mystery
Woody Allen, USA 1992/93, Production Design: Santo Loquasto, 103 Minuten, Englische OF, neue Kopie

mit Woody Allen, Diane Keaton

Gattaca
Andrew Niccol, USA 1997, Production Design: Jan Roelfs, 101 Minuten, Englische OF, neue Kopie

mit Ethan Hawke, Uma Thurmann

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Und schließlich wartet auch das Forum mit weiteren Filmen/Informationen auf:

Melegin Düsüsü (Angel's Fall)
R: Semih Kaplanoglu, D: Tülin Özen, Budak Akalin, Musa Karagöz, Engin Dogan
Türkei, Griechenland 2004, 98 min, Türkisch mit englischen Untertiteln

Zeynep, eine junge Frau, lebt ein freudloses Leben in der Stadt. Sie arbeitet in einem Hotel, kocht abends für ihren Vater in der gemeinsamen Wohnung und weicht ihrem jungen Verehrer Mustafa aus. Als ihr Vater eines Nachts zusammenbricht, offenbaren sich das Ausmaß und die Gründe ihrer unterdrückten Verzweiflung.

Vers Mathilde (Towards Mathilde)
R: Claire Denis, D: Mathilde Monnier
Frankreich 2004, 84 min, Französisch mit englischen Untertiteln

Die vielseitige französische Regisseurin Claire Denis widmet sich diesmal dem Tanztheater, mit einem experimentellen, quasi spiegelbildlichen Porträt der berühmten Choreografin Mathilde Monnier, Leiterin des choreografischen Zentrums von Montpellier.

Brasileirinho
R: Mika Kaurismäki, Musiker: Marcello Gonçalves, Zé Paulo Becker, Ronaldo Souza, Yamandú, Elza Soares, Paulo Moura, Guinga, Marcos Suzano u. a.
Schweiz / Finnland / Brasilien 2004, 90 min, Portugiesisch mit englischen Untertiteln

Mika Kaurismäki hat sich in seiner neuen Dokumentation des Choro angenommen, der ersten genuinen urbanen brasilianischen Musikform, aus der sich Samba und Bossa Nova entwickelten und die heute lebendiger und faszinierender denn je ist. Der Film porträtiert Musiker wie das Trio Madeira Brasil, Paulo Moura, Yamandú, Marcos Suzano, Elza Soares, Teresa Cristina, Zezé Gonzaga und viele andere.

Verschwende deine Jugend (Dokumentation)
R: Jürgen Teipel, Sigrid Harder, mit Blixa Bargeld, Gudrun Gut, Inga Humpe, Markus Oehlen, Peter Hein, Gabi Delgado u. v. a., Musik: Male, Mittagspause, KFC, Einstürzende Neubauten, Abwärts, DAF, CHBB, Fotos: ar/gee Gleim, Carmen Knoebel, Franz Bielmeier, George Nicolaidis, Michael von Gimbut, Sabine Schwabroh u. v. a.
Deutschland 2005, 87 min

"Ein Rhythmus, ein Rauschen, ein Dröhnen, eine Bewegung": Für seinen Bestseller "Verschwende Deine Jugend" führte Jürgen Teipel drei Jahre lang Gespräche mit rund hundert Protagonisten des deutschen Punk und New Wave. Nun hat er zusammen mit der Medien-Informatikerin Sigrid Harder die O-Töne aus seinen Gesprächen und Fotos zu einem Film montiert.

Veer-Zaara
R: Yash Chopra, D: Shah Rukh Khan, Rani Mukerji, Preity Zinta
Indien 2004, 193 min, Hindi mit englischen Untertiteln

Die ganze Kunst des Bollywood-Kinos: Regie- und Produktionsveteran Yash Chopra reichert traditionelles Bollywood mit einer dramatischen indisch-pakistanischen Liebesgeschichte an.

13.01.2005, Heimkino

In seiner Reduktion und Anti-Haltung (mehr noch als später dann bei Elephant) radikales, radikalstes Kino. Der Film ist reiner Plot: Zwei junge Männer - beide heißen Gerry - fahren in die Wüste, um "the thing" zu sehen. Sie steigen aus, ziehen los, überlegen es sich bald anders (ohne dass wirklich etwas überlegt worden wäre: man entscheidet sich halt um, flachst dabei unverbindlich vor sich hin), wollen also zurückkehren, zum Wagen, doch sie verlaufen sich, ihr Weg führt immer tiefer in die mehr und mehr abstrakte, ortlos gewordene Wüste. Dies alles geschieht. Mehr nicht.

Kein Mehr auf einer dramaturgischen Ebene. Entbehrungen und Siechtum werden nicht zum Zwecke filmischen Gewinns in Szene gesetzt. Herausfordernden Situationen begegnet der Film mit mehrwertloser Lakonie: Der eine (die englischen Untertitel der DVD bezeichnen ihn als "Gerry2") steigt auf einen großen Felsen, um nach dem anderen Ausschau zu halten (man hatte sich zur Orientierung getrennt). Sein Tritt bröckelt dahin, er scheint auf dem Podest gefangen. Der andere kehrt zurück, und schafft Staub - "Make me a dirt mattress!" - heran. Eine quälend lange Szene ohne Schnitt, unbewegt in einer Distanz schaffenden Totalen gefilmt, keine Dramatik, beinahe schon öde. Irgendwann springt Gerry2 - noch immer die gleiche Einstellung - einfach runter, und das kommt dann schon fast einem "Chock" gleich (nicht zuletzt aufgrund der zurückgelegten Höhe). Aber ist wirklich was geschehen? Nein.



Musik gibt es dazu selten. Wenn überhaupt, dann sind es Soundscapes aus Ambient und Clicks'n'Cuts. Dann und wann Minimales von Arvo Pärt. Mal unterstreichend, mal konterkarierend. Zum flirrenden Höhepunkt dieser, ja, Zen-Meditation, die nur sich selbst zum Thema hat, keinen Gegenstand mehr aufzuweisen scheint, gerät eine ebenfalls quälend lange Einstellung, die beide Elenden von hinten zeigt, wie sie ausgehungert und mit einigem Abstand durch die Wüste stolpern. Die Bewegung findet augenscheinlich statt, doch der Abstand zwischen beiden und auch der Abstand zwischen ihnen und der Kamera ändert sich nicht: Im Zusammenspiel mit der nunmehr fast völlig konturlos gewordenen Wüste ergibt sich ein Bild des ewigen Sich-Fort-Bewegens ohne sich dabei jedoch fortzubewegen. Zu Beginn ist die Szene dunkel, es scheint früher Morgen, fast nichts ist zu sehen, doch unmerklich wird das Bild heller (fast so, als würde man sich nachts ans Dunkel gewöhnen), die beiden heben sich ab, der Boden wird erst grau, dann beinahe blendend weiß. Verzerrte Klänge aus Synthesizern, die in dieser Welt reinster Naturgewalt (die aber, eben, doch nicht gewalttätig im Sinne einer Überwältigung ist, eher ist es ein gleichmütiges Verschlucken, auch hier fehlt jeder Pathos: Der Blick in die verderbende Natur bleibt fremd, weil sich nichts darin findet, was dem kultivierten Menschen Referenz oder Anknüpfungspunkt sein könnte) so deplatziert wir unterstreichend wirken, verfremden das Gezeigte, geben ihm eine metaphysische Qualität, doch auch hier findet eine Dramatisierung nicht statt. Alles fließt, mitleidlos/leidenschaftslos beobachtet.



Ein bisschen ist das wie "Warten auf Godot". Hier, wie dort. Auch die ganz eigene Sprache der beiden Gerrys erinnert ein wenig daran.

Inserts zeigen andernorts zur Mystifizierung dienende Bilder von in atemberaubendem Tempo über Landschaften dahinrasende Wolken. Super8-Aufnahmen im Point of View, die im Zeitraffer über Straßen fahren. Doch die Bilder mystifizieren eben nicht. Sie zeigen lediglich eine Welt, die jenseits der Erfahrungswelt des Menschen liegen, unterstreichen die Differenz zwischen der stoisch bleibenden Wüste und den lächerlichen Figuren (die noch am Vorabend ihrer persönlichen Katastrophe, die der Film nicht katastrophisch im Sinne filmischer Konventionen werden lässt, sich beiläufig über Quatsch unterhalten, über Computerspiele etwa, wie man in einem Spiel - Age of Empire, oder Civilization oder ähnliches - Theben erobert hätte, was mangels eines letzten Pferdes jedoch scheitern musste) darin.

Am Ende überlebt dann einer. Der große Film, den man so gerne doch in einem Kino gesehen hätte, ist aus.

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In der Wochenendbeilage der heutigen Süddeutschen findet sich ein Auszug aus Max Goldts nächste Woche erscheinendem neuen Buch, der große Lust auf jenes macht.

Nur noch am Wochenende erhältlich: Die zweite Lieferung von Kiddie Records Weekly (wobei davon auszugehen ist, dass die nunmehr ebenfalls angebotene BitTorrent-Lösung die Platten auch etwas länger erhältlich bleiben lässt; verlassen würde ich mich indes nicht drauf).

Der von der Öffentlichkeit meist eher unbeachtete Nebenschauplatz des Kinderfilmfestes kann bereits alle Filme seiner Sektion vorstellen. Als Gast für den Eröffnungsfilm konnte Christiane Harfouch gewonnen werden, die bei Kindern seit Bibi Blocksberg einen guten Ruf genießt. Den Auftakt des im letzten Jahr aus der Taufe gehobenen Jugendfilmwettbewerbs 14Plus eröffnet der Schauspieler Florian Lukas. Als besondere Neuerung des Kinderfilmfestes bietet die Berlinale diesmal 25 Lehrern und Lehrerinnen die Möglichkeit einer intensiven Vor- und Nachbereitung beim Besuch der Filme mit ihren Klassen.

Gewalt, mit der junge Menschen im privaten wie im gesellschaftlichen Umfeld konfrontiert werden, zieht sich als thematischer Bogen durch das gesamte Programm. Die überwältigende Mehrzahl der vom Auswahlgremium gesichteten Filme verzichtet auf eine romantisierende Darstellung von Kindheit und Jugend. Das Kinderfilmfest will sich dieser Tendenz nicht verschließen und versteht das diesjährige Programm als Ermutigung zum genauen Hinsehen. Der selbstbewusste und angstfreie Umgang von Kindern und Jugendlichen mit der ungeschminkten Realität vermittelt in fast allen Filmen positive Ausblicke und nachhaltige Ermutigung.

Eine komplette Auflistung aller Filme kann hier auf der Website des Festivals eingesehen werden.

gesehen auf DVD

"Welche Wahrheit hätten’s denn gern?"

Von Brian de Palma reden, heißt von Alfred Hitchcock reden. Unter Anhängern des ersteren eine beinahe unumstößliche Selbstverständlichkeit. Umgekehrt sieht der Sachverhalt etwas anders aus, aber das soll an dieser Stelle nicht weiter von Belang sein. In Hitchcocks Stage Fright jedenfalls befindet sich eine falsche Rückblende, die sich im Verlauf des Films dann auch tatsächlich als unwahr herausstellt. Dem Zuschauer offensiv ins Gesicht gelogen. Ein absoluter Tabubruch, ein Skandalon. Selbst heute, gut fünfzig Jahre später, erwarten wir, ob bewusst oder unbewusst, dass Filme, von ihrem narrativem Konstrukt einmal abgesehen (da sind wir eher geneigt zu verzeihen), zumindest "formal wahr" sind. Wie Hitchcock hat sich de Palma mit diesem Diktum nie zufrieden geben können...

Ein paradoxer Zustand: Der Zuschauer, das schließt den Verfasser ein, tendiert dazu Filmbilder für "wahr", und damit für real zu erachten. Allein von seinen ikonographischen und technischen Voraussetzungen her, scheint das Kino also eher der Realität als der Lüge nahe zustehen. Das ist zumindest der fromme Wunsch dahinter. Diese menschliche Neigung hatte Hitchcock in seinem Film aufgenommen, um die Grenzen dieser Denkart exemplarisch vorzuführen. Allerdings wurden die in den Köpfen präsenten, binären Oppositionen "wahr" und "falsch" nicht bis zur letzen Konsequenz dekonstruiert. Das konsequente Aufzeigen der filmischen Ununterscheidbarkeit von Wahrheit und Lüge musste in letzter Instanz hinter dem "Willen zur Wahrheit" zurückstecken. Anders de Palma: Er bedient sich einer perspektivischen Juxtaposition der Geschehnisse, um die Illusion eines unmittelbaren Gegenwärtigkeitscharakters des Blicks ins Groteske zu verdichten.

Eine Juxtaposition freilich, die nicht alleine beim Visuellen bleibt, das kann sie auch gar nicht. Vielmehr entfaltet de Palma einen komplexen Subtext von parallel existierenden, respektive parallel agierenden Systemen. So finden sich dann auch diverse gesellschaftliche Subsysteme im Film, die alle ihren spezifischen Codes gemäß miteinander in Kommunikation treten. Ein Rechtssystem (Rick Santoro), ein Politiksystem (der anwesende Minister und seine Entourage), sowie ein Militärsystem (Commander Kevin Dunne). Sie alle verhalten sich je nach Situation hermetisch oder offen. Ihr gemeinsames Axiom ist der Widerstreit.

Alle Versuche des Zu-Schauers die ersehnte Omnipotenz des Blicks affirmativ heraufzubeschwören – anders ist das obligatorische Mitfiebern, Mitraten, Mitsuchen nicht zu erklären – werfen uns ratlos auf die eigene beschränkte Wahrnehmung zurück. Es ist ironisch: Durch eine Vielzahl von Technologien konnte die menschliche Wahrnehmung in relativ kurzer Zeit in bisher ungekanntem Maße modifiziert werden. Evolution im Zeitraffer. Trotzdem erfahren wir dadurch keine Kompensation, im Gegenteil, wir bekommen Einblick in noch komplexere Zusammenhänge, die unsere "alten" Rezeptionsstrategien antiquiert, ja geradezu kontraproduktiv erscheinen lassen. Für die mediale Codierung der "Wirklichkeit" (und der damit immer verbunden Hoffnung die Wahrheit in irgendeiner Form fassen zu können) muss der teure Preis des Wirklichkeitsverlustes gezahlt werden. Die Rede von der Wahrheit, sie ist obszön geworden. Ein, wenn nicht sogar das wesentliche Konstituens der Postmoderne. Und so ist es beinahe rührend zu sehen, wie sich Nicolas Cages Detective die gesamte Technik des Casinos untertan macht, um seinen Wahrnehmungsinsuffizienzen ein Schnippchen zu schlagen. Auf der Suche nach dem real thing sieht der Mensch ganz schnell, ganz alt aus.

Eindringlichstes Bild des Films: Ein mit Kameras ausgestatteter Zeppelin in Augenform durchmisst den Raum. Um mit Godard zu sprechen: Nicht wir haben gesehen, sondern die Kamera. Unsere Augen? Eine Leinwand. Süße Lügen. Lehrstunden in Kino...

imdb | brian de palma im weblog

»Ozu's films comprise one of the most densely and richly populated oeuvres in cinema, and some of the formal and stylistic features noted above would have much less resonance without the expressive talents of his actors and their continuing presence in his films. Even Chishu Ryu, the male lead in Tokyo Story -- perhaps the closest equivalent to Ford's John Wayne in terms of prominence -- appears in Ozu's earliest surviving films as well as his last. This is one more piece of evidence that Ozu, for all of his experimentation, had created a world of his own before he started making what most people know as Ozu films.«

Jonathan Rosenbaum über Yasujiro Ozu (filmtagebuch) anlässlich der Retrospektive im Gene Siskel Film Center/Chicago.

the frank erzählt geschichten aus den usa. [via]

Bellybongo presents:



Nice British lounge music from the 60s.

[via]

Die Berliner Auflage der Stanley Kubrick-Ausstellung naht mit großen Schritten. Nur noch wenige Tage bis zur Eröffnung im Martin-Gropius-Bau.

Vorab hat sich die "Berliner Zeitung" mit Christiane Kubrick unterhalten. Hier geht's zum Interview.

Ein Reminder in beinahe letzter Sekunde: Die "Berliner Zeitung" weist in ihrer morgigen Ausgabe auf die Ursendung von Nosferatu hin. Die Hörspielbearbeitung von Murnaus Vampirfilmklassiker wird am Samstag um 20.05 Uhr gesendet (Programmtext hier). Im Anschluss läuft ein Feature "Der lange Schatten des Vampirs".



Die Sendung ist der Urauftakt einer ganzen Reihe "Dämonen der Leinwand", die verschiedene Klassiker des "expressionistischen" Stummfilms zu auditivem Leben erweckt. Das Programm liest sich interessant, man darf gespannt sein. Unter anderem gibt es auch die Bearbeitung von Der Golem aus dem Jahr 1964 zu hören. Nächste Termine: Dr. Mabuse, Metropolis und Der Golem.

Wie immer bei Radiotipps die obligatorische Streaming-Software-Empfehlung: Phonostar bietet nicht nur hunderte vorab eingestellter, leicht handhabbarer Streams, das Tool bietet darüber hinaus auch eine komfortable MP3-Mitschneidefunktion (sogar mit Timer!).

Von Medialog e.V.:

»Am 20. Januar 2004 wurde der Film Blood Feast (H.G. Lewis, USA 1963) durch das Amtsgericht Karlsruhe nach §131 StGB beschlagnahmt (siehe hier im Filmtagebuch). Die Filmwerkstatt Karlsruhe e.V. will in einer Podiumsdiskussion die Schwierigkeiten des Paragraphen erörtern und mögliche andere Schutzmaßnahmen vor gewalttätigen Inhalten diskutieren. Es sollen Antworten gefunden werden auf Fragen wie: Welche Auswirkungen hat der §131 StGB auf ein Werk? Gibt es Inhalte, vor denen die Gesellschaft geschützt werden muss und wodurch zeichnen sich diese aus? Nach welchen Kriterien wird der §131 StGB angewendet?

An der Podiumsdiskussion teilnehmen werden der Medienethiker Dr. Michael Nagenborg, der Filmwissenschaftler und Vorstand des Vereins zur Förderung von Medienkompetenz Medialog e.V. Stefan Höltgen M.A. und der Medienrechtanwalt Holger von Hartlieb. Der für den Beschluss zuständige Richter Mahr vom Amtsgericht Karlsruhe sowie weitere Sachkundige wurden angefragt. Die Karlsruher Staatsanwaltschaft hat in einem Brief offiziell abgelehnt, einen Vertreter ihres Hauses an der Diskussion teilnehmen zu lassen.

Anschließend an die Diskussion wird der Film Blood Feast 2 (H.G. Lewis, USA 2003) gezeigt. Die Diskussion und Filmvorführung finden im HMO auf dem Campus der Universität Karlsruhe (TH) statt, Beginn ist um 20.30 Uhr. Der Eintritt kostet 3 Euro, Informationsbroschüre inklusive. Diese kann über shop.bohemia-filmkunst.de ab Mitte Februar 2005 geordert werden. Der Erlös wird als Druckkostenzuschuss für eine Publikation zum §131 StGB genutzt.«

Das Internationale Forum des Jungen Films präsentiert als Special Screening die restaurierte ursprüngliche Fassung von Heaven’s Gate. Michael Ciminos monumentaler Anti-Western von 1980 gilt bis heute als der größte finanzielle Flop Hollywoods – und unter Kritikern, vor allem außerhalb der USA, als Meisterwerk. Ergänzend ist die Dokumentation Final Cut: The Making and Unmaking of 'Heaven's Gate' von Michael Epstein als europäische Premiere zu sehen.

Heaven’s Gate erzählt mit legendärer Detailtreue von den brutalen 1890er „Johnson County Wars“, in denen wohlhabende amerikanische Viehzüchter, unterstützt von Regierungsbeamten, europäische Immigranten aus dem Westen der USA vertrieben. Nicht zuletzt aufgrund seiner kritischen historisch-politischen Aussage ist der Film einer der umstrittensten der Geschichte Hollywoods, obwohl er nur selten gesehen wurde. Das Forum zeigt die von MGM/United-Artists-Archivar John Kirk aufwändig restaurierte 225-minütige ursprüngliche Schnittfassung. Nach der New Yorker Uraufführung im November 1980 wurde Heaven’s Gate von der Kritik verrissen, als „unamerikanisch“ gebrandmarkt und verschwand aus den Kinos. Eine von Regisseur Michael Cimino um mehr als eine Stunde gekürzte Fassung lief 1981 im Wettbewerb von Cannes. Das Filmfestival Venedig zeigte 1982 erstmals in Europa die ursprüngliche Fassung. Sie war letztmalig 1983 im Forum der Berlinale zu sehen; zu einem Kinostart dieser Fassung in Europa kam es nicht.

Der Misserfolg des Films bedeutete zusammen mit den auf ca. 100 Millionen US-Dollar angewachsenen Produktionskosten den finanziellen Ruin von United Artists (UA). Das legendäre Studio war 1919 von Charlie Chaplin, Mary Pickford, Douglas Fairbanks und D.W. Griffith gegründet wurden.

Was genau ist bei der Produktion von Heaven’s Gate falsch gelaufen? Der Dokumentarfilm Final Cut geht den verschiedenen Theorien auf kurzweilige und unterhaltsame Weise nach. Michael Epsteins Interviewpartner sind unter anderem die Hauptdarsteller Kris Kristofferson und Jeff Bridges, Kameramann Vilmos Zsigmond sowie Steven Bach, der als damaliger Vizepräsident von UA einer der Studioverantwortlichen war und mit seinem Buch „Final Cut: Art, Money, and Ego in the Making of ‚Heaven's Gate’, the Film that Sank United Artists“ die Vorlage zu diesem Film schuf.

Während des Forums werden Steven Bach, John Kirk und Michael Epstein in Berlin anwesend sein. Für den 14. Februar 2005 ist eine gemeinsame Diskussionsveranstaltung geplant.

MilkPlus bespricht Wes Andersons neuesten Film The Life Aquatic, der im Berlinale-Wettbewerb gezeigt wird:

Despite the title, as well as the aquatic professional focus of protagonist Steve Zissou (Billy Murray), Wes Anderson’s latest film is mostly about movie making. If Fellini’s 8½ was be some degrees more frivolous, deadpan, breezily rococo, and centered on Guido making a film about a shark as a stand-in for himself, it might look something like The Life Aquatic.

Nachtrag 02.02.: Trailer in allen möglichen Formaten gibt es bei moviemaze.de

"Wie das Forum seine Filme findet". Schöner Text vom Leben der Festivalmacher jenseits des Februars hier auf der Website der Berlinale.

Chris Bickle hat 'ne neue Band. Bin gespannt.

»Kein Volk kann vernarrter in die Bilder der Kinematographie sein, als das japanische. In den Städten Japans trifft man die Kinotheater nicht vereinzelt hier und da an, sondern sie stehen in Reihen beisammen und bilden ganze Straßen für sich. Oben an den Fassaden, an dem schreienden kitschigen Äußern der großen Jahrmarktsbuden sind Galerien der schlimmsten Malsudeleien in Öl oder Öldruck hingezogen, und was sie schildern, ist so ungefähr das Schaurigste, was was ein Gehirn ausdenken kann. Kein Volk scheint so auf Grausamkeiten in Bildern, auf Mord und Selbstmord, blutigen Zweikämpfen, und auf das lauernde Verbrechen in Situationen erpicht zu sein, wie das japanische. Und in den Kinostraßen schlendert das Volk, steht und geht in Betrachtung dieser Bilder, und ist so ruhig dabei, als sehe es die friedlichsten Idyllen.«

Heinrich Greter: Vom Kino in Japan. Österreichischer Komet, Nr. 203, 04.04.1914.
Zit. nach: KINtop - Jahrbuch zur Erforschung des frühen Films: Ausgabe 5. Aufführungsgeschichten. Stroemfeld/Roter Stern: Frankfurt am Main/Basel, 1996. (Website)

Beobachtung des Faktischen und Klischee gehen Hand in Hand. Bemerkenswert, wie die unreflektierten Standpunkte von damals den heutigen gleichen, wenn es um die Rolle der Grausamkeit in der populären Kultur Japans geht.

10.01.2005, Heimkino; Inhalt.

Ein eigenartig schöner, intelligent inszenierter Film von - kein Geblödel jetzt - philosophischer Tiefe, mit beeindruckender Akkurattese auf den Punkt gebracht: Keine Minute oder nur Sekunde zu lang, alles - verdammt viel - ist erzählt nach einer Stunde. Abspann.

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Wie jemand für die Leidenschaft lebt, in einer Welt, die dafür nicht geschaffen ist. Zwei Jobs und der Nebenjob reiben auf, attackieren noch den Schlaf. Wind und Wetter torpedieren den Leidenschaftlichen beim Zeitungsaustragen. Allerlei Surreales in der Fischbude. Geschichten vorlesen im Altenheim (oder wo auch immer). Am Abend dann: Konzert in der minderbesuchten Kneipe am Eck. Nachbarn hinter Fenstern, zahlendes Publikum: Kaum. Groteske Figuren am Rande: Einer hat das Tonbandgerät stets bereit stehen, in der Hoffnung, eine Interpretation eines raren Stücks zu ergattern (die kriegt er und kommentiert es mit Zungenschlag - einer der schönsten seltsamen Momente in diesem Film). Ein anderer verkauft Heftpflaster zu zwei Mark pro Doppelmeter. Doch auf der Bühne spielen die Ausgestoßenen, sie spielen mit der ganzen Seele ihrer tristen Existenz (und wie wichtig Schneider dies ist, wird deutlich daran, dass nicht sattsam Bekanntes über die Musik gelegt wird, sondern die Musik für sich steht und auch das Bild kippt nie ins Groteske um): Hier, an dieser Stelle, ist Schneider wie Sisyphos bei Camus - wir müssen ihn uns als Glücklichen vorstellen, auch wenn der Stein jeden Moment zu kippen droht.

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Überhaupt die Musik: On- und Off-Screen-organisiert finden sich Juwelen der Klangkunst, des Jazz. Die solo gespielte Orgel akzentuiert das Bild, trägt maßgeblich zu den schönen Ansichten bei. Weder Klamauk noch Pfeifenrauchertum bestimmen diese Töne: Es ist die reine Freude an ihnen selbst.

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Das Ende: Versinnbildlichter Eskapismus. Eine andere Welt, absurder, grotesker noch als diese (die ohne Zweifel - keine Schneider'schen Verfremdung über ein Minimum heraus - auf unsere verweist), gleichzeitig aber schöner, bunter, musikalischer. Wie bei Sun Ra wird das Glück nicht auf Erden gesucht: Space is the Place. Neue Räume erschließen. Das Alberne, das hier mitschwingt, wird gebrochen durch den vorangegangen Film selbst, der nun alles andere als albern war, eher das melancholische Bild eines Menschen, dem die Kunst alles ist, selbst noch in jenen kleinen Zirkeln, die eine Welt zwischen Provinznest, Suff-Nachbarn und Fischbuletten ihr zugesteht.

imdb | offizielle site | angelaufen.de | filmz.de

Eine zugegeben nachgereichte Information von Ende Dezember, die an mir irgendwie vorüberging: Als einer der ersten Filme aus der Sektion Internationales Forum des jungen Films (siehe auch hier) steht der koreanische Film This Charming Girl von Lee Yoon-Ki fest.

Die Website des Forums dazu:

This Charming Girl ist das leise Porträt einer Postangestellten in Seoul. Jeong-hae ist Ende Zwanzig und wohnt allein, ab und an geht sie mit Kolleginnen Essen. Etwas Abwechslung in ihr unspektakuläres Leben bringt ein zugelaufenes Kätzchen. Die Bekanntschaft mit einem schüchternen Schriftsteller könnte ein neues Glück bedeuten. Jeong-hae hat auf ebenso leise Art begonnen, ihr Leben zu ändern.



Das Debüt des 1965 geborenen Regisseurs Lee Yoon-ki wurde von LJ Film, der Produktionsfirma einiger Filme des koreanischen Regiestars Kim Ki-duk, produziert. This Charming Girl, der bereits beim Internationalen Film-Festival in Pusan (PIFF) den Hauptpreis für junge asiatische Filmemacher gewonnen hat (siehe Meldung bei Variety), geht auch ins Rennen um den Wolfgang-Staudte-Preis des Forums.

Hier scheint mir schon ein erster guter Geheimtipp fürs Forum vorzuliegen. Ich bin gespannt.

Sehr umfangreiche, lesenswerte Textsammlung aus dem Hause Metzler, das zahlreiche Autoren internationalen Ranges versammelt und kaum einen Aspekt der Filmgeschichte auslässt (naturgemäß kratzt natürlich jede Bearbeitung nur an den Tiefen, die wiederum andere Bücher dann themenspezifisch sichtbar werden lassen müssten). Natürlich ist das auch Seminarlektüre: Gut die Hälfte, wenn nicht mehr, der Texte meines filmhistorischen Seminars finden sich in diesem Band. Zwar liegen mir besagte Texte auch als Kopie im Handapparat vor, aber mich andauernd an den Kopierer zu stellen, ist mir u stressig, ferner brauche ich für das Durcharbeiten der Texte, die mir besonders wichtig sind, auch die gewisse Haptik eines Buches. Und überhaupt: Das Buch - eine schöne, schwere Hardcoverausgabe - macht sich gut im Regal und scheint mir in seiner Dichte und Fülle eine ungemeine Wissenssammlung, auf die ich in Zukunft noch oft und gerne zurückgreifen werde.


Stellvertretendes Bild, meine Ausgabe ist laubfroschgrün. Ich habe eine hohe Affinität zu den alten Suhrkamptaschenbüchern im Gestaltungskonzept von Willy Fleckhaus. Und da sich der Traditionsverlag nun sträflicherweise von diesem verabschiedet hat, gilt es, Lücken zu schließen, solange dies noch möglich ist. Zumal, wenn der Flohmarktpreis stimmt.

kein Bild
Kurd Laßwitz: Traumkristalle. Utopische Erzählungen. Märchen. Bekenntnisse.
Eine schon vergilbte Sammlung mit besagtem Inhalt in einer DDR-Ausgabe von 1982, Verlag Das Neue Berlin. Ich mag ja dieses "DDR-Papier" nicht sonderlich, das in Farbgebung und weiteren sinnlichen Implikationen immer ein wenig an Toilettenpapier in Jugendherbergen erinnert. Aber es ist ein rein äußerlich schön gestaltetes Buch (Scan folgt vielleicht, mal schauen) der Reihe "SF Utopia" (und gehörte, laut Stempel auf der ersten Seite, dereinst offenbar der Bibliothek der Grenztruppen der DDR an, zwischen Juli '83 und Oktober '88 wurde es gerade mal 15 mal entliehen ...). Auf Laßwitz war ich in einem Band des Diogenes Verlag ("Die besten Science Fiction Geschichten des 19. Jahrhunderts" oder ähnlich) in Form seiner hinreißenden Geschichte "Auf der Seifenblase" (die im erstandenen Band glücklicherweise ebenfalls enthalten und für Freunde der Monitorlektüre hier beim Projekt Gutenberg nachschlagbar ist) gestoßen. Laßwitz ist einer der ersten deutschsprachigen Autoren, die grob der Science Fiction zugerechnet werden können, bzw. auf diesem Gebiet Pionierarbeit leisteten. Auf die Lektüre bin ich schon sehr gespannt (Hier weitere Informationen und Volltexte beim Projekt Gutenbrg).

Space Debris presents. In voller Länge und umsonst, japanisches Easy Listening aus den 70ies. Music to drink Martini by.

Das Regiedebüt des chinesischen Kameramanns Gu Changwei (u.a. Lebewohl meine Konkubine und Ju Dou) wird auf der Berlinale im Wettbewerb gezeigt (siehe hier). Es schildert den Alltag einer Familie in einer kleinen Stadt in der Provinz Henan über mehrere Jahre hinweg.

Weitere schöne Bilder gibt es hier und dort einige sehr schöne Plakatmotive.

Neues gibt es von der Filmadaption von Alan Moores Comic V for Vendetta (siehe schon hier). Aus dieser Meldung geht hervor, dass wohl Natalie Portman in Verhandlung für die weibliche Hauptrolle steht (was ich sehr begrüßte). Weiterhin ist da was von einem Drehbeginn im März in Berlin zu lesen - ob da wohl mal wieder der Gendarmenmarkt als Kulisse dienen wird?

Erste Promos gibt es auch schon zu begutachten:

Erste Ausgabe der Spex hier als pdf-Download. Damals noch was punkiger, heutzutage seit Jahren gepflegte Scheiße (und deshalb noch niederträchtiger als Intro, weil das ist wenigstens kostenlos Scheiße).

Alle Bestenlisten der Spex hier.

Von wem ich's habe? Von dem.

Das Panorama der Berlinale feiert Jubiläum: Hervorgegangen aus der "Info-Schau", dem Ergänzungsprogramm des Wettbewerbs der 70er Jahre, bietet die Sektion seit 1985 ein Programm aus innovativem Autorenkino und außergewöhnlichen Newcomer-Filmen aus dem Independentbereich. Schwerpunktmäßig setzt man auf soziale Fragen und Lebensentwürfe oder konzentriert sich auf bestimmte nationale Kinematographien. "Wir wollen mit unserem Programm gesellschaftliche Prozesse verfolgen“, erklärt Wieland Speck, seit 1992 Leiter des Panorama. „Es geht uns um Filme, die weitertreiben, was gerade in den Nischen und an den Rändern der Gesellschaft passiert.“

Zum 20. Jubiläum des Panoramas wird es in Zusammenarbeit mit K44 eine multimediale Ausstellungsinstallation in der HomeBase Panorama Lounge am Potsdamer Platz geben. Für diesen Rückblick öffnet das Panorama zum ersten Mal sein reiches Archiv: Ausgewählte Filmstills aus über 1200 Panorama-Filmen und Bilder vom Festival zeigen einen Querschnitt durch die Geschichte der Sektion.

Daneben erinnert eine Fotogalerie an Menschen, die das Panorama maßgeblich geprägt haben und an Panorama-Entdeckungen wie Pedro Almodóvar, Ang Lee, Gus Van Sant, Oskar Roehler, Chantal Akerman oder Kim Ki-duk, die hier ihre internationale Karriere starteten. Dem Festival langjährig verbundene Fotografinnen und Fotografen stellen bislang unveröffentlichtes Bildmaterial zur Verfügung. Eine Auswahl davon wird in einem die Ausstellung begleitenden Katalog präsentiert. Auf der Berlinale-Website finden sich demnächst ausführliche Informationen zur prominenten Geschichte des Panoramas: Entdeckungen, Entwicklungen und Karrieren.

Panorama 2005: Was bewegt die Filmemacher der Gegenwart? Welche Geschichten treiben sie an? Welche Lebensentwürfe verfolgen sie und in welchen filmischen Formen erzählen sie? Fragen, die das Panorama prägen: Die Auswahl der Filme schlägt eine Brücke zwischen künstlerischen Visionen und kommerziellen Interessen.

Nach Auswahlreisen durch Asien, Nord- und Südamerika sowie Europa ist inzwischen etwa die Hälfte des Panoramaprogramms für die 55. Berlinale bestätigt und bietet bereits einen Überblick über das Weltkino-Schaffen der vergangenen zwölf Monate. Demnächst wird das Programm Panorama Dokumente und die Kurzfilmreihe vorgestellt.

Bislang sind folgende Filme bestätigt:

Aus Frankreich:
Crustaces et Coquillages (Mariscos Beach) von Olivier Ducastel und Jacques Martineau
mit Valeria Bruni-Tedeschi, Gilbert Melki, Jean Marc Barr, Jacques Bonaffé, Edouard Collin, Romain Torres

Les Mauvais Joueurs (Gamblers) von Frédéric Balekdjian
Debütfilm mit Pascal Elbé, Simon Abkarian, Isaac Sharry

Aus Belgien/Frankreich:
Ultranova von Bouli Lanners
Debütfilm mit Vincent Lecuyer, Helene De Reymaeker, Marie Du Bled

Aus Irland:
Adam and Paul von Lenny Abrahamson
Debütfilm mit Mark O'Halloran, Tom Murphy, Louise Lewis

Aus Großbritannien:
Love + Hate von Dominic Savage
Debütfilm mit Tom Hudson, Samina Awan, Nicola Burley

Yes von Sally Potter
mit Joan Allen, Simon Abkarian, Sam Neill, Shirley Henderson

Aus den USA:
Beyond the Sea von Kevin Spacey
mit Kevin Spacey, Kate Bosworth, John Goodman, Brenda Blethyn

Forty Shades of Blue von Ira Sachs (1996: The Delta)
mit Rip Torn, Dina Korzun, Darren Burrows

Aus Kanada:
Childstar von Don McKellar
mit Don McKellar, Jennifer Jason Leigh, Mark Rendall

The Love Crimes of Gillian Guess von Bruce McDonald (1996: Hard Core Logo)
mit Joely Collins, Ben Bass, Hugh Dillon

Aus Hongkong:
Colour Blossoms von Yon Fan
mit Matsuzaka Keiko, Harisu, Teresa Cheung

Dumplings von Fruit Chan
mit Bai Ling, Myriam Yeung, Tony Leung. Kamera: Christopher Doyle

Aus China:
Chun Hua Kai (Plastic Flowers) von Liu Bingjian (Man Man Woman Woman)
mit Liu Xiaoqing, Min Xiding, Yin Zhi

Aus der Türkei:
Bulutlari Beklerken (Waiting for the Clouds) von Yesim Ustaoglu (Journey to the Sun)

Aus Kirgisien/Deutschland:
Saratan von Ernest Abdyjaparou
mit Abylov Kumondor, Sulaimanov Askat, Kamchiev Jambul

Aus Ungarn/Österreich:
Dallas von Adrian Pejo
mit Zsolt Bogdán

Aus Polen:
Ono (Stranger) von Malgorzata Szumowska
Debütfilm mit Malgorzata Bela, Marek Walczewski

Aus Finnland:
Eläville ja koulleille (For The Living And The Dead) von Kari Paljakka
mit Hannu-Pekka Björkmann, Katja Kukkola, Mari Rantasila

Aus Argentinien:
Un año sin amor (A Year Without Love) von Anahí Berneri
Debütfilm mit Juan Minujín, Mimi Ardú, Carlos Echevarria, produziert von Daniel Burman und Diego Dubcovsky

Aus Brasilien:
Redentor (Redeemer) von Claudio Torres
Debütfilm mit Pedro Cardoso, Miguel Falabella, Camila Pitanga, Fernanda Montenegro

Mach's gut, Will! Und Danke!

[wikipedia]

Der Eröffnungsfilm des 35. Internationalen Forums des Jungen Films steht fest: Die deutsche Produktion Lost and Found vereint Geschichten junger Regie-Talente aus sechs mittel- und osteuropäischen Ländern.

Die internationalen Beiträge zu dieser Kurzfilmkompilation wurden in Estland, Bulgarien, Rumänien, Bosnien-Herzegowina, Ungarn und Serbien-Montenegro gedreht und in Deutschland postproduziert. Die Länder wurden wegen ihrer reichen Filmkultur als Projektpartner gewählt. Zugleich trägt die Zusammenarbeit in diesem Filmprojekt dazu bei, besonders für den Nachwuchs nachhaltige neue Infrastrukturen zu schaffen. Die vier Kurzspielfilme, ein Dokumentarfilm und ein Animationsfilm spiegeln ein neues filmisches Selbstverständnis der jungen Generation von Filmschaffenden aus Mittel- und Osteuropa wider. Unter den Regisseuren sind fünf Teilnehmer des Berlinale Talent Campus 2004 sowie ein Gewinner des Goldenen Bären (Stefan Arsenijevic für den Kurzfilm (A)Torzija, 2003). Die Uraufführung von Lost and Found findet am 11. Februar 2005 im Delphi Filmpalast statt.



Die Epsioden in Lost and Found werden von dem estnischen Animationsfilm Gene-Ration von Mait Laas verknüpft: Am Ende einer fantastischen Reise verhilft ein Streichholz-Männchen einer neuen Generation zum Leben. - In The Ritual von Nadejda Koseva (Bulgarien) wartet eine Hochzeitsgesellschaft voller Spannung auf das Brautpaar. - Ein junges Mädchen fährt zum ersten Mal allein in die Hauptstadt und muss eine schwierige Situation meistern (Turkey-Girl, Cristian Mungiu, Rumänien). - Zwei Kinder in der gleichen Stadt sind am gleichen Tag geboren, haben jedoch keine Möglichkeit, einander kennen zu lernen (Birthday, Jasmila Zbanich, Bosnien-Herzegowina). - Ein Suizidberater gerät in einen existentiellen Konflikt, als er versucht, die eigene familiäre Situation nach dem Tod der Mutter zu meistern (Shortlasting Silence, Kornél Mundruczó, Ungarn). - In Fabulous Vera von Stefan Arsenijevic (Serbien-Montenegro) überschreitet eine Straßenbahnschaffnerin ihre Kompetenzen und findet endlich ihr Glück.

Produziert wurde Lost and Found von der Kölner Produktionsfirma ICON FILM. Initiator ist der Berliner Verein "relations", der als Initiativprojekt der Kulturstiftung des Bundes Kunst- und Kulturprojekte in Mittel- und Osteuropa fördert.

Seit gestern online: die erste Lieferung von Kiddie Records Weekly (siehe hier).

Von charmides via Mail der Hinweis auf diese interessante Newsmeldung auf heise.de:

"Während sich die Filmindustrie für den Kampf gegen Bittorrent rüstet, entdecken Independent-Filmer das Internet als Distributionsweg. Der Film Route 66 -- ein amerikanischer albTraum wurde Ende Dezember unter einer Creative-Commons-Lizenz veröffentlicht und steht zum kostenlosen Download bereit.

Die Filmbeschreibung ist eher konventionell: Drei naive Jungs aus Sachsen träumen von Hollywood und begeben sich mit einem 30 Jahre alten Straßenkreuzer auf den Abenteuer-Trip durch die USA. Die Idee zum kostenlosen Verbreiten des Films unter der Creative-Commons-Lizenz ist aus der Not geboren: Kein Filmverleih zeigte an dem fertig abgedrehten Streifen Interesse und die Fernsehsender winkten ab. Auch die Teilnahme an Filmfestivals erschien den Machern nicht als der richtige Weg. Eine eBay-Auktion, bei der eine Widmung des Films versteigert wurde, brachte 150 Euro ein. So veröffentlichten die Filmemacher vom VEB Film in Leipzig den Film über das Internet."

Komplette Meldung hier.

Die offizielle Website des Films mit Downloadmöglichkeit, aber auch mit Torrent-Files, die es ermöglichen den Film peer2peer zu ergattern, ohne dabei die Traffic-Kosten für die Anbieter explodieren zu lassen, findet sich hier (Zaunpfahl: Hey, dort gibt's ja Sponsorenlinks...)

Geschichten aus dem Alltag, Figuren zwischen Resignation, Aggression und Emotion, in Familienkonflikten und Liebesgeschichten. Für die nunmehr vierte Ausgabe der Programmsektion Perspektive Deutsches Kino zeichnet sich bereits jetzt eine Vorliebe junger Filmemacher für die Herausforderungen und Nuancen der deutschen Realität ab. "Die Spannbreite der Themen und Typen in diesen Filmen reicht von Hartz bis Herz. Das, worum es geht, ist immer echt - egal, ob es sich um Geldsorgen handelt oder um Gefühlsausbrüche", kommentiert Sektionsleiter Alfred Holighaus den Trend der fünf bisher ausgewählten Filme der Reihe.

Gleich zwei Spielfilme stellen die Beziehung zwischen Vater und Sohn in den Mittelpunkt, um sich dann in völlig unterschiedliche Richtungen zu entwickeln. Während in Netto, einem tragikomischen Hochschulfilm von Robert Thalheim an der HFF Potsdam, die Rollen zwischen Erzieher und Erzogenem vorübergehend getauscht werden, sortiert sich in Das Lächeln der Tiefseefische von Till Endemann die Familie durch den Konflikt der Generationen neu.

Von fataler Bindungslosigkeit erzählt Blackout, der 30minütige Spielfilm des Berliner dffb-Studenten Maximilian Erlenwein. Der Gitarrist Tom Schulze zieht als Dr.Jekyll und Mr. Hyde der Berliner Szene durch den Film. Im Rausch wird der sensible Musiker zum brutalen Schläger und zerstört Beziehungen und Biografien - inklusive seiner eigenen.

Zwei Dokumentarfilme, die sich in völlig unterschiedlichen Milieus bewegen, wagen einen besonders intensiven Blick auf das Lebensgefühl und die Lebensumstände junger Menschen in diesem Land. Janine F. von Teresa Renn geht einem Fall nach, der nicht nur in der Berliner Kunstszene vor zwei Jahren für Aufregung und Entsetzen sorgte. Er untersucht den Selbstmord der Künstlerin Janine F. im Berliner Kulturzentrum Tacheles in Form von Gesprächen mit Hinterbliebenen zwischen Schuldbewusstsein und Ignoranz.

Was lebst du? von Bettina Braun erzählt - ebenfalls sehr persönlich - aus der Welt von vier muslimischen Freunden unterschiedlicher Nationalitäten in Köln.

Wer ein Geheimnis hat, vertraue es einem Baumloch an und schließe dieses mit Lehm, damit es darin sicher verwahrt bleibe. Mit diesem Ritual entließ uns Wong Kar-Wai vor viel zu langen Jahren aus seinem bezaubernden In the Mood for Love. 2046, auf den man viel zu lange warten musste, beginnt nun mit einer langen Fahrt aus einem Loch hinaus und endet mit einer Fahrt wieder hinein. Eine Rahmung, die verdeutlicht: Es geht um Geheimnisse und ihren Ort. Der Film selbst erscheint als ein solches (und er bleibt es in vielerlei Hinsicht auch). Er handelt zudem von der erdrückenden Anwesenheit eines Geheimnisses. Und er handelt davon, wie man Geheimnisse versteckt. In Bildern, Literatur, Musik, in kleinen Gesten. Und nicht zuletzt: In Filmen.



2046 ist ohne Zweifel Wong Kar-Wais poetischster, sinnlichster Film. Mehr noch als der ebenfalls schon hochstilisierte Vorgänger, ist 2046 darum bemüht, ein großes, traumhaftes Bild zu zeichnen, ohne dabei aber in die Langeweile des Panoramas zu gehen. Vielmehr lenkt er Blicke auf Details, fragmentiert, trennt ab, lässt die Dinge im Diffusen verschwimmen. Auffällig oft sind die Bilder angeschnitten oder größtenteils von dunklen Flächen im unscharfen Vordergrund verdeckt. Kaum, dass eine souveräne Übersicht ermöglichende Perspektive gewährt wird. Entsprechend flirren auch Zeit und Raum: Erinnerung, gegenwärtige Geschehnisse, Traum, Fiktionalisierung, Visualisierung literarischer Ergüsse? 2046 verneint nicht selten eindeutige Antworten auf die Frage nach dem Status seiner Bilder. Mehr als jeder andere Film von Wong Kar-Wai will er zuallererst sinnlich erlebt werden (und das heißt: am besten im Kino): Kameraführung, Ausstattung, der emotional ungemein aufwühlende Soundtrack, die Montage und nicht zuletzt die äußeren Erscheinungen der Darsteller ergeben ein kinematographisches Amalgam von einer Intensität, wie man sie lange nicht mehr erleben konnte.



Schwierig, eine Handlung eigentlichen Sinne zu destillieren. Wir begegnen Chow Mo Wan (Tony Leung Chiu Wai) aus In the Mood for Love wieder, der sich, Jahre nach den Ereignissen aus dem vorangegangenen Film, als Boulevardjournalist und Autor leichter Erotikromane verdingt, während auf den Straßen Hongkongs die Aufstände der 60er Jahre toben. Die tragische Liebesgeschichte hat er nie verwunden: Er sucht schnelle, erotische Abenteuer, ist nach außen hin zwar zunächst charmant, aber bindungsunfähig. In einem Buch namens 2046 schreibt er sein Innerstes nieder und projiziert sich selbst in ein japanisches Alter Ego, das in einem Science-Fiction-Szenario in einem Zug durch die Zeit reist, ins Jahr 2046, wo alle Erinnerungen für immer verweilen. 2046, das ist auch die Nummer des Zimmers, in dem Maggie Cheungs Figur aus In the Mood for Love lebte, neben das Chow Mo Wan nun wieder eingezogen ist. Und wieder leben Frauen in diesem Zimmer, das Spiel der Liebe dreht erneut seine Runden, durchzogen allerdings von Chow Mo Wans Geheimnis, das unausgesprochen über jedem gescheiterten, leidenschaftlichen neuen Abenteuer schwebt. Ein diffuses, oft episodenhaftes Bild von der Liebe nach ihrer eigentlichen Unmöglichkeit, über zwar viele, letztens Endes aber nur zwei Menschen, von denen der eine jedoch im anderen Film geblieben ist.



Viele Miniaturen, mal größer, mal kleiner angelegte Entwürfe finden sich in diesem Film. Bis zuletzt und über den Wettbewerb von Cannes hinaus hat Wong Kar-Wai am Schnitt gesessen. Dass man das, wie die langjährige Produktionszeit, dem Film nicht ansehe, wäre glatt gelogen. Manch einen mag der daraus resultierende, fragmentarische Charakter des Films vor den Kopf stoßen, wie auch, dass er vieles unklar lässt. Wer darüber jedoch hinwegsehen, darin vielleicht sogar die poetische Stärke und nicht zuletzt seine Klugheit als Kommentar zu Liebe, Sex, dem ganzen Rest anerkennen kann, wer sich an den reizenden Details erfreuen und sich vor allem lustvoll darin versenken kann, der wird mit einem ungemein euphorisch stimmenden Filmerlebnis belohnt. Ein Meisterwerk, das der ungeheuren Erwartungshaltung nach In the Mood for Love, vor allem aber: nach den ersten Stimmen aus Cannes, mit Leichtigkeit begegnet.

Ab 13. Januar im Kino (Verleih: Prokino). Offizielle Website.

Dass der Fernsehratgeber nach viel zu vielen Monaten des Schweigens sich nun wieder als erfreulich aktiv erweist, das weiß ich ja schon was länger. Dennoch will hier rein pro forma noch meine Freude darüber zum Ausdruck bringen.

Auf dem Flohmarkt auf dem Zionskirchplatz für wenig Geld erstanden, allem Anschein nach in der Originalfassung und gnädigerweise keine Jugendbuchversaubeutelung. Zudem mit den sehr schönen Illustrationen der französischen Erstausgabe. Nicht zuletzt auch wegen des spannenden Vortrags "Das Wunderbare und Geheimnisvolle. Anmerkungen zu einer unbekannten Moderne." von Natascha Adamowsky im Rahmen der Ringvorlesung "Berliner Kulturwissenschaft" (Programm als pdf hier) zugegriffen (und natürlich auch, weil ich mich mit der Abenteuer-/SciFi-Literatur des 19. Jahrhunderts ohnehin mal noch näher vertraut machen wollte).


Flohmarkt auf dem Boxhagener Platz, zum schmalen Preis in sehr gutem Zustand. Ich liebe diese monotonen Gedankengänge, diese Versuche, die Abscheu zu artikulieren, die doch nie artikulierbar ist. Überhaupt diese einzigartige Sprachvirtuosität.


"Und die Sonne geht auf, und die Erde geht unter, ganz oben steht der Mond. Und er schaut jeden Tag auf die Erde herunter, von seinem Blick bleibt nichts verschont." Für diese Zeilen aus seinem Song Der Mond liebe ich Rocko Schamoni (voller Text hier). In seinen Memoiren - ach herrje - erzählt er vom Leben als Punker in der tiefen schleswig-holsteinischen Provinz. Wie man in einem 300-Seelennest in den frühen 80ern Punker und Gesellschaftskritiker wird. Zwar bin ich ja nun in den 90ern groß geworden (und die Zäsur von 89/90 definierte auch den Punk dieser Dekade neu, exemplarisch hierfür halte man sich den Werdegang der Goldenen Zitronen vor Augen), aber dennoch ist das nah an meiner eigenen Biografie (und die ersten locker weggelesenen Seiten bestätigen dies). Bin schon sehr gespannt.

Und wo wir schon dabei sind, ein schönes Fotoblog ist 18.Oktober, das frapp.ant bei den Minusvisionen aufgetan hat.

Dieses flickr-Ding, über das man seit einiger Zeit bald hier, bald dort zu stolpern pflegt, muss ich mir nun auch mal genauer anschauen. Am Anfang dachte ich ja, das sei halt bloß so ein weiterer Fleck auf virtuellen Erden, wo man for free Bilder uppen könnte. Das ist an sich zwar redlich, kann imageshack aber auch.

Aber scheinbar ist das mehr, eher so eine Art sich walzend fortschreibendes Fotochronik-Blog der Webwelt. Man kann seine Bilder taggen und also durchforstbaren Themengruppen anschließen. Gestern nacht beispielsweise das Berlin-tag durchgeblättert, in der Hoffnung endlich mal digital vorweisbares meiner durchaus hübsch anzusehenden umgebenden Nachbarschaft zu finden, was leider nicht ganz ergiebig war (auch das tag Friedrichshain gibt es, ist auch sehr schön - Straßenkunst hauptsächlich -, manche Detailaufnahmen sogar nur wenige Schritte von der Wohnung entfernt, aber solche semi- bis nicht-legalen Hausverzierungen, wie sie dort zu sehen sind, drücken nun kaum aus: "So lebe ich.")

Und dann gibt es da noch richtig tolle Sachen. Die Gruppe Found Photos beispielsweise, die einen Gedanken, mit dem ich seit einigen Monaten schwanger gehe, ohne ihn auch nur ansatzweise mal zu verwirklichen (nämlich - man kann sich's schon denken - alte, gefundene Fotos, nach Möglichkeit solche mit - bei aller Amateurhaftigkeit - ästhetischem Reiz, als eine Art "digitale Galerie" zusammenzustellen), als offene Gruppe in die Tat umsetzt. Mitmachen kann jeder und das Ergebnis ist allemal bezaubernd. (es gibt im übrigen auch andere schöne Websites, die sich diesem Thema widmen - Look At Me etwa -, nur sind diese halt noch klassische Websites, und entsprechend wenig anarchisch)

Jetzt brauche ich nur endlich mal sowas wie eine funktionierende, gute Webcam (@knoerer: Die damals überreichte habe ich leider nie zum Laufen gebracht, dennoch habe ich mich natürlich sehr gefreut). Scanner habe ich ja schon, fehlen nur wieder ordentliche Flohmärkte mit Fotokisten (im Winter prosperien sie, die Märkte, ja naturgemäß nicht sonderlich).

Der Film Panzerkreuzer Potemkin (UdSSR 1925, Regie: Sergej Eisenstein) revolutionierte aufgrund seiner bahnbrechenden Montagetechnik die Filmkunst. Zum 20. Jahrestag der russischen Revolution von 1905 in nur drei Monaten gedreht, katapultierte der Film den 27-jährigen Sergej Eisenstein in die Riege der weltbesten Regisseure. Zum Welterfolg des Films hatte die für die deutsche Premierenfassung von 1926 komponierte Musik von Edmund Meisel entscheidend beigetragen. Die Überlieferungsgeschichte des Films ist eine Geschichte der Verstümmelungen; der Film selbst einer der spektakulärsten Zensurfälle der 1920er Jahre. Eine vollständige Kopie der russischen Premierenfassung des Films ist nicht erhalten.

80 Jahre nach der russischen Uraufführung und 100 Jahre nach den Ereignissen, von denen der Film handelt, wird der Film Panzerkreuzer Potemkin in einer neuen Rekonstruktion der russischen Premierenfassung vorgestellt. Diese schließt erstmals die Wiedereinfügung von russischen Zwischentiteln in ihrer originalen grafischen Gestalt sowie eines dem Film vorangestellten Mottos von Leo Trotzki ein. Korrigiert wurden u.a. auch die durch die Bearbeitungen und Zensur verursachten Umstellungen und Schnitte der berühmten Treppensequenz.

Für die rekonstruierte Fassung des Films wurde Edmund Meisels Musik von Helmut Imig mit dramaturgischer Beratung von Lothar Prox neu bearbeitet. Bei den Stummfilmaufführungen mit Orchesterbegleitung am 12. und 13. Februar 2005 spielt das Deutsche Filmorchester Babelsberg unter dem Dirigat von Helmut Imig.

Das Initiativprojekt der Kulturstiftung des Bundes wird unter Gesamtleitung der Stiftung Deutsche Kinemathek realisiert (Projektkoordination: Anna Bohn). Die Rekonstruktion des Films erfolgt unter Leitung von Enno Patalas und mit Unterstützung des Bundesarchiv-Filmarchivs, Berlin und des British Film Institute, London.

Die Aufführung des Films findet als Sonderveranstaltung der Retrospektive anlässlich der 55. Internationalen Filmfestspiele Berlin am 12. und 13. Februar in der Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz statt.

"In einer bislang einmaligen Aktion werden an diesem Wochenende die Constantin Film AG sowie die Kinos der CinemaxX- und CineStar-Gruppe Geld für eine Spende an die "Aktion Deutschland hilft" zusammentragen. Von allen zwischen Donnerstag, 30.12., und Sonntag, 02.01. verkauften Eintrittskarten für den Film "ALEXANDER" werden 50 Cent pro Karte gespendet.

Der Film mit den Hauptdarstellern Colin Farrell und Angelina Jolie startete bundesweit am 23.12. und soll nun dazu beitragen, dass unkompliziert, schnell und pragmatisch gespendet wird. Ebenso wie die Kinobetreiber spendet auch der Verleih des Films, die Constantin Film AG, einen Teil der Einnahmen.

Constantin - Vorstand Thomas Peter Friedl: "Wenn man die Bilder der Katastrophe in Asien gesehen hat, möchte man einfach schnell und effektiv helfen. Wir sind froh, dass wir mit unserer Top-Produktion "ALEXANDER" so schnell reagieren können und mit Kinos der CinemaxX- und der CineStar-Gruppe bundesweit Partner für diese Spendenaktion gefunden haben. Wir würden uns wünschen, dass dieses Beispiel auch andere Branchen inspiriert und gemeinsam etwas für die Opfer und den Wiederaufbau getan wird." Die Kinogäste zahlen für die Vorstellungen die regulären Eintrittspreise - es wird also kein Spendenzuschlag erhoben."

Pressemitteilung von Constantin vom 29.12.2004.

Nein, ich will nicht unken. Aber das klingt (vor allem mit "Teil der Einnahmen") überdeutlich nach der Politur eines landauf, landab verschrieenen Kassengiftfilms (zumal es um einiges komplizierter sein dürfte, für ein paar Cent Spende ins Kino zu gehen und den Ertrag abrechnen und überweisen zu lassen, im Gegensatz etwa zur schnellen Überweisung via Online- oder Telefonbanking).

Aber nun gut, vielleicht ist es ja wirklich nur gut gemeint (gewesen).

Zu später Stunde beim Mail-Aufräumen (man findet sich vor lauter Spammern und Werbemails kaum mehr zurecht) findet sich doch glatt noch ein nachgereichtes Weihnachtsgeschenk: Die Bestätigung meiner Berlinale-Akkreditierung, auf die ich schon ein paar Tage (und deshalb auch mit Sorge) warte. Meine dritte akkreditierte schon und wie immer freue ich mir schon jetzt tierisch ein Loch in den Bauch. Februar in Berlin - die schönste Jahreszeit!

Kritiken/Eindrücke gibt's dann vermutlich ab Ende Januar, wenn die ersten Pressevorführungen aus dem Forum und dem Panorama laufen (die Wettbewerbsfilme werden auch den Presseleuten erst wenige Stunden vor den offiziellen Screenings kredenzt) demnächst bei meinem Auftraggeber F.LM - Texte zum Film und hier im Weblog. Wie im Vorjahr auch wieder mit Thomas Reuthebuch zusammen. Nachteil der Entdeckung: Wollte jetzt eigentlich mal endlich ins Bett, daraus wird nun nichts; viel zu aufgeregt vor Freude.

Habe nun keine Ahnung, ob das was neues, also quasi von mir entdecktes ist, oder ob ich hier alte Socken von hinter dem Bettkasten hervorhole. Jedenfalls, der zuverlässige (!) Hongkonger DVD-Versand http://www.dddhouse.com führt in seiner Liste mit den zahlreichen Shaw-Brothers-Reissues auch einige DVDs für kaum schlagbar günstige 35 Hongkong-Dollar an (etwa 3,30 Euro, stückzahlabhängiges Porto kommt noch hinzu, Kostenpunkt pro DVD dann in etwa 5,50 bis 6,00 Euro). Nicht viele Titel zwar, aber immerhin. Unter Zuhilfenahme von Besprechungen auf http://www.kungfucinema.com (eine im übrigen sehr kompetente Site für Genrekino aus Fernost) habe ich mich entschieden für:

The Lizard von Chor Yuen und mit den alten Haudegen Yueh Hua und Lo Lieh (Kritik hier, und Hongkong-Fachmann -MAERZ- schrieb auf jump-cut.de mal ein sehr schönes Yuen-Portrait, ein anderes findet sich in der aktuellen Ausgabe der Splatting Image)

The Anonymous Heroes von Großmeister Chang Cheh, der hier die beiden Superstars David Chiang und Ti Lung erneut vor die Kamera holt (Kritik)

Big Brother Cheng, dessen Trailer ich noch als überaus Klasse in Erinnerung hatte und die Kritik stützt diesen Eindruck mit jeder Silbe.

Kein schlechter Deal, würde ich sagen, und mein seit einiger Zeit sträflich unterversorgtes Shaw-Segment im DVD-Regal bekommt endlich mal wieder etwas Zuwachs. Was sonst so im Filmtagebuch zu den Shaw Brothers zu lesen ist, kann man hier nachschauen. (in der Ausgabe vom 03.Dezember '04 des Branchenblatts Screen Daily gibt's im übrigen auch ein mehrseitiges Portrait des Studios).

02.01.2005, Kino Arsenal

Warum, frage ich mich während der Vorführung, spielt dieser in den USA entstandene Film eigentlich in Wien? Die Stadt dient weder als Kulisse, noch wären die Figuren (für meinen Begriff) "typische Wiener". Ich überlege kurz, und komme auf einen Gedanken, der mir gefällt, der nicht unbedingt Gültigkeit besitzen muss, mit dem ich mich aber gut arrangieren kann: Wien ist so sehr die Stadt des Walzers, dass der berühmteste sogar nach ihr benannt ist. Und wie beim Walzer sich alles im Kreise dreht, wie der Rhythmus ganz im Vordergrund steht, wie Leichtigkeit und Charme diesen Tanz umgibt, aber auch immer eine Prise Ironie, wie schlußendlich auch das Spiel mit der Maske und Fassade zum Walzer gehört und man letzten Endes nie wirklich wissen kann, wer nun eigentlich geführt hat, so gilt dies auch in Gänze für Lubitschs wunderbaren Film.

Und später, nach dem Kino, schaue ich nach, was andere schreiben und stoße, natürlich, auf Ekkehard Knörers Kritik und darin sieht er eigentlich ein Ballet in diesem Film, das ist nicht weit und deshalb freue ich mich.

Schön ist auch, wie der Film mit der Nahaufnahme arbeitet, wie sich über kleine Veränderungen im Gesichtsausdruck der Schauspieler Witz entwickelt (sich kräuselnde Lippen, Stirnfalten, die sich leicht aufzutürmen beginnen, und dergleichen), wie eine schnell eingeschnittene Pistole am Boden den Raum ganz verändert, eine Stola schließlich auch, die am Fuße, vom Geher unbemerkt, hängen bleibt. Wie darüber die seltenen Zwischentitel (aber auch sie im übrigen: Pointiert!) oft schon gar nicht mehr vermisst werden, weil alles sich im Bild und über die Montage erzählt. Im besten Sinne: Film mit Pfiff.

web: imdb | mrqe | lubitsch: tv-termine
filmtagebuch: magical history tour

Die 100 besten Platten des vergangenen Jahres, Rückblick auf popmatters.com. Bei den Spitzenplätzen würde ich ja Zweifel anmelden wollen, weil Franz Ferdinand, also nee, das war ja schon vor dem Hype klar, dass das ein Hype der nervigen Sorte werden würde, aber auf Platz 5 Herr Cave, da würde ich, als jemand, der ihn an sich nicht ganz so toll findet wie ansonsten üblich, da würde ich also schon sagen, dass ich damit leben kann. (Kanye West auf Nummer 1? Kenn ich nicht.)

Dass sich etwas so und so verhält, wissen wir seit Freud.

Nackenhaare, die sich aufstellen. Sorry, geht gar nicht. So beginnt man keinen Text (mehr). Nicht nur wegen Freud nicht, auch ansonsten keine Chance. Schlimmer ist das, wenn das jemand scheibt, dessen Texte man zudem an sich (und auch diesen, natürlich) immer mit Freude und Gewinn liest.

http://www.idontfear.com bringt neue Bilder vom heißerwarteten, abschließenden Teil der ersten Star-Wars-Trilogie (Klick auf eigene Gefahr, ein paar Bilder lassen schon recht viel von der Story erahnen!). Nach dem in wiederholten Sichtungen zusehends gewachsenen zweiten Teil der Prequels bin ich nun, nicht zuletzt auch aufgrund dieser neuen Bilder, die einiges an Dramatik in Aussicht stellen, vollends wuschig und freue mich entsprechend auf den Mai ...

28.12.2004, Heimkino

Eine Melodie wie aus einem späten Western führt diesen Film ein, aus jenen, die man gemeinhin als "Abgesang" auf das Genre und seinen Helden bezeichnet. Und jener Held, dem - was jenseits des Filmes begründet liegt, nur in kurzen Momenten aufblitzt, aber dennoch über allem zu liegen scheint - das Heldendasein verwehrt, verunmöglicht wird, schreitet im ersten Bild durch eine idealisierte Welt voller Natur und Idyll, wie aus einem Gemälde fast, und man könnte fast Einheit mit der Welt darin sehen, sabotierte das zweite Bild, die am See gelegene Hütte, wo er seinen alten Freund aus Kriegszeiten nach Jahren antreffen zu können meint (doch der Krebs hat jenen zerfressen), nicht diese Auffassung. Der Mythos ist schal geworden, Bilder (die erst gezeigt, dann zurückgelassen werden) sind zu verstummten Echos geworden, die von nichts mehr künden als von einem Verlust (aber nicht mehr von dem, was mal war), Gespenster besiedeln diese innere Welt, Phantome blitzen auf, durch die nur kontingent scheinenden Bilder hindurch.

Blitze, Explosionen, Pyrotechnik, kurz: Zerstörung. Bilder der Gewalt. Doch keines ist heroisch, erhaben, jubilatorisch. Jedes verweist auf eine zerstörte Innenwelt, auf zugefügte Schmerzen, auf Abhandengekommenes, nie mehr Erreichbares. Wir spüren das auch dadurch, weil es für diesen Elenden zwar ein Leben im Krieg vor dem Film gegeben hat, doch offenbar nie ein Leben vor dem Krieg. Der Verlust (den der Krieg markiert, aber nicht benennt) bleibt unaussprechlich, auch wenn, zum Ende hin, die Wortkargkeit mündet in Beredsamkeit und das steinerne Gesicht Tränen vergießt. Doch auch dann ist der Krieg Gegenstand.

Rein auf ideologischer Ebene betrachtet, mag der Sprechakt sich schon durch die Perspektive desavouieren, die eingenommen und von der nie abgewichen wird. Dennoch bleibt der erste Film der vielbelächelten Ramboreihe (dass Teil 2 und 3 unter Gesichtspunkten des Trashs überhaupt nur funktionieren sei gar nicht verheimlicht) ein wichtiges Dokument, weil es einerseits einen spezifischen Moment der geistigen Verfassung einer verwundeten Nation zu fassen und adäquat zu bebildern bekommt (mehr vielleicht noch als Scorseses Taxi Driver), andererseits, weil es, in seiner seltsamen Vermischung verschiedenster Motive, auch als abschließender Kommentar zum US-Kino der 70er Jahre funktioniert. Ein - bei aller Melancholie, die ihm in jeder Einstellung steckt - mitreißender Film.

imdb | mrqe

New York Times: The Year in Pictures

Sehr schönes Webfeature. Erschreckend für einen kurzen Moment, trotz aller Medienabgebrühtheit, die Schönheit von Bildern realen Schreckens und Leidens, die zudem offenkundig nach ästhetischen Kriterien zusammengestellt wurden.